El espacio articulado.
Base de datos de artistas de la espacialidad y la temporalidad.
RAFAEL LOZANOHEMMER
Biografía:
Rafael Lozano-Hemmer nació en la Ciudad de México en 1967. En 1989 recibió una licenciatura de Química Física de la Universidad de Concordia en Montreal, Canadá. artista electrónico, desarrolla instalaciones interactivas que se encuentran en la intersección de la arquitectura y el arte de la performance. Su interés principal es en la creación de plataformas para la participación pública, la perversión de tecnologías como la robótica, la vigilancia computarizada o redes telemáticas. Inspirado por la fantasmagoría, el carnaval y animatronics. Sus instalaciones interactivas a gran escala han sido comisionados para eventos como las celebraciones del milenio en la ciudad de México (1999), la capital cultural de Europa en Rotterdam (2001), la Cumbre Mundial de la ONU de las ciudades de Lyon (2003), la apertura del Centro YCAM en Japón (2003), la ampliación de la Unión Europea en Dublín (2004), el memorial de la masacre estudiantil de Tlatelolco en México City (2008), el 50 Aniversario del Museo Guggenheim de Nueva York (2009) y los Juegos Olímpicos de Invierno en Vancouver (2010). Recientemente, el objeto de exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno de la Fundación Telefónica de Buenos Aires y San Francisco el Museo de Arte Contemporáneo de Sydney, fue el primer artista en representar oficialmente a México en la Bienal de Venecia con una exposición individual en el Palacio Soranzo Van Axel en 2007. También ha mostrado en Bienales de Arte y Trienales en La Habana, Estambul, Liverpool, Montreal, Moscú, Nueva Orleans, Panamá, Sevilla, Seúl, Shanghai, Singapur y Sydney. Colecciones que sostienen su trabajo incluyen el MoMA de Nueva York, la Tate de Londres, AGO en Toronto, CIFO en Miami, Jumex en la Ciudad de México, DAROS en Zurich, Borusan Contemporáneo de Estambul, MUAC en la Ciudad de México, 21 Museo Century of Art de Kanazawa, MAG en Manchester, MUSAC en León, MONA en Hobart, ZKM en Karlsruhe, MAC en Montreal y SAM en Singapur, entre otros. Ha recibido dos premios de la Academia británica BAFTA al Arte Interactivo en Londres, un Golden Nica en el Prix Ars Electronica en Austria, “Artista del año” premio Rave de la revista Wired, una beca Rockefeller, el Trophée des Lumières de Lyon y un Premio Internacional Bauhaus en Dessau. Ha impartido clases en el Goldsmiths College, la escuela Bartlett, Princeton, Harvard, UC Berkeley, Cooper Union, USC, MIT MediaLab, Guggenheim Museum, LA MOCA, Instituto Holandés de Arquitectura, Cornell, Universidad de Pensilvania, SCAD, Danish Architecture Cente, CCA en Montreal, ICA de Londres y el Instituto de Arte de Chicago.
ANTHONY MCCALL
Biografía:
Anthony McCall es conocido por sus instalaciones de los sólidos de luz, una serie que comenzó en 1973 con su seminal línea que describe un cono, en el que una forma volumétrica compuesta de luz proyectada evoluciona lentamente en el espacio tridimensional. Ocupando un espacio entre la escultura , el cine y el dibujo, la importancia histórica de su trabajo ha sido reconocido internacionalmente en exposiciones como en la luz: La imagen proyectada en el arte americano 1964-1977 en el Museo Whitney de Arte Americano (2001-2), la pantalla expandida: Acciones e Instalaciones de los sesenta y setenta en el Museo Moderner Kunst, Viena (2003-4), The Eye Expanded en Kunsthaus Zurich (2006), Más allá del cine: el arte de la proyección en el Hamburger Bahnhof, Berlín (2006-7), El efecto del cine: ilusión, realidad e imagen proyectada en Hirshhorn Museum, Washington DC (2008), La geometría del movimiento en los 1920s/1970s , el Museo de Arte Moderno de Nueva York (2008) y On Line , Museo de Arte Moderno (2010-11). El trabajo de McCall ha sido expuesto en, entre otros, el Centro Pompidou, París, 2004, Tate Britain, Londres, 2004, Institut d’Art Contemporain, Lyon, Francia (2006), Museo de Rochechouart, Francia (2007), SFMoMA (2007), Serpentine Gallery, Londres (2007-8), Hangar Bicocca, Milán (2009), Moderna Museet, Estocolmo (2009), Adam Art Gallery, Wellington, Nueva Zelanda (2010), Sprueth Magers / Ambika P3, Londres (2011), y Serralves, Oporto (2011). Una exposición individual se abrirá en abril de 2012 en el Hamburger Bahnhof, Berlín. La obra de McCall está representada en numerosas colecciones, incluyendo, entre otros, Tate, Museo de Arte Moderno de Nueva York, Museum für Moderne Kunst, Frankfurt, Museu d’Art Contemporani de Barcelona, el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, SFMoMA, Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, París, Moderna Museet, Estocolmo, y el Hirshhorn, Washington DC. Anthony McCall vive y trabaja en Manhattan.
JEFFREY SHAW
Biografía:
Nacido en 1944 en Melbourne, Australia, desde 1962 hasta 1964 cursa estudios de arquitectura e historia del arte en la Universidad de Melbourne, Australia, 1965-1966 estudios en escultura en la Accademia di Belli Arte di Brera, Milán, Italia y en la Escuela de Arte de Saint Martin, Londres, Reino Unido. En 1977 eestudia formación de Producciones Javaphile en Amsterdam (Países Bajos) con Marga Adama y John Munsey; 1988-1989 profesor visitante en la Rotterdam Academie van Beeldende Kunsten y la Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam, 1990 profesor visitante en la Städelschule, Institut für Neue Medien, Frankfurt / Main (D); 1991-2002 Director Fundador del Instituto de Medios Visuales en el ZKM Karlsruhe (Zentrum für Kunst und Medientechnologie), desde 1995 profesor de Artes Multimedia en la Hochschule für Gestaltung de Karlsruhe, Alemania, vive y trabaja en Sydney (AUS). Shaw ha construido numerosas instalaciones que desafían los conceptos convencionales de espacio. Sus primeras experiencias con experimentos de rendimiento y multimedia le llevan a su profesión con los conceptos de realidad virtual que exponen al espectador en espacios visuales simuladas. Shaw actualiza las estrategias de inmersión en el espacio virtual (anamorfosis, la perspectiva, trompe l’oeil-efectos y la rotonda panorámica) mediante el uso de nuevas tecnologías. Él escoge como tema central la relación entre la realidad y la simulación, la imaginación y la experiencia.
DOUG AITKEN
Biografía:
Doug Aitken nació en California en 1968. Vive y trabaja en Los Angeles y Nueva York. Ampliamente conocido por sus innovadoras instalaciones de arte, Doug Aitken está en la vanguardia de la comunicación del siglo 21. Utilizando una amplia gama de medios y enfoques artísticos, sus ojos nos lleva a un mundo donde el tiempo, el espacio y la memoria son conceptos fluidos. El cuerpo de Aitken de trabajo abarca desde la fotografía, la escultura y las intervenciones arquitectónicas, a las películas, obras de video de sonido, solo y multi-canal, e instalaciones. Su trabajo ha sido presentado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, en instituciones como el Museo Whitney de Arte Americano, el Museo de Arte Moderno de la Secesión de Viena, la Serpentine Gallery de Londres y el Centro Georges Pompidou de París. Ha participado en la Bienal Whitney 1997 y 2000 y ganó el Premio Internacional de la Bienal de Venecia en 1999 para la instalación de “tierra eléctrica”. Exposición “Sonámbulos” de Aitken en el MoMA en 2007 transformó un bloque entero de Manhattan en una experiencia cinematográfica expansiva mientras cubría exteriores de las paredes del museo con las proyecciones. En 2009, la de Sonic Pavilion se abrió al público en las colinas boscosas de Brasil en la nueva INHOTIM fundación cultural. Continuando su trabajo en proyectos al aire libre innovadoras, Aitken presentó su película y la arquitectura de instalación a gran escala, “Frontera”, en la Isola Tiberina de Roma, en noviembre de 2009 y en Art Basel Unlimited en 2010. Recientemente, la multiforme obra “Espejo Negro” de Aitken dedica una instalación de vídeo multicanal sitio específico y una obra de teatro en vivo en una barcaza con un diseño único flotando Atenas y la isla de Hydra, Grecia.
AERNOUT MIK
Biografía:
Aernout Mik (Groningen, 1962) estudió desde 1983 hasta 1988 en la Academia Minerva en Groningen y participó en los Talleres ’63 en Haarlem. El artista ha construido en los Países Bajos y una impresionante lista de exposiciones internacionales. Ha participado en importantes exposiciones colectivas como el Museo Stedelijk de Amsterdam (Paredes Wild 1995), el Grazer Kunstverein en Graz (Mise en Scene, 1998) y el Museo Nacional de Arte Moderno de Kyoto (fijas / en movimiento, 2000) y fue representado en las bienales de Sao Paolo (1991), Venecia (1997) y Melbourne (1999). Más recientemente tuvo exposiciones individuales integrales en el Stedelijk Museum Bureau Amsterdam (Reversión Romano, 2002), el ICA de Londres (3Crowds, 2000), y el Van Abbemuseum de Eindhoven (gestos Primal, roles menores, 2000), donde (casi ) toda la obra presentada en una instalación. En 1997 recibió el Premio Mik Sandberg por sus videos Lick y pelusa. Su obra está presente en las colecciones de los principales museos holandeses, como el Museo Stedelijk de Amsterdam, el Van Abbemuseum de Eindhoven y el Centraal Museum de Utrecht. El Dr. Premio AH Heineken de Arte (50000) será otorgado este año a un artista que ocupa el medio del video. Los ganadores anteriores han incluido Guido Geelen para la ‘cerámica’ y Jan de Pavert para la “escultura”. El jurado del Dr. AH Heineken Prize for Art (Henk van Os, Ed Taverne, Ilja Veldman, Dorine Mignot, curador Stedelijk Museum de Amsterdam y Nathalie Zonnenberg, curador Witte de With de Rotterdam) otorga el premio al artista Aernout Mik para toda su obra.
JANE Y LOUISE WILSON
Biografía:
b. 1967, Newcastle upon Tyne, Inglaterra; b. 1967, de Newcastle-upon-Tyne, Inglaterra Twins Jane y Louise Wilson nació en 1967 en Newcastle-upon-Tyne, Inglaterra. De 1986 a 1989, el Jane estudió arte en Newcastle Polytechnic y Louise estudió en Duncan de Jordanstone College of Art and Design en Dundee. Para sus shows grado BA concurrentes, mostraron cuerpos idénticos de trabajo, y desde ese momento se han seguido colaborando en fotografías y videos. Ambos asistieron a Goldsmiths College de Londres, recibiendo maestrías en 1992. primeros trabajos de los gemelos comprende fotografías y filmaciones de actuaciones. Garage (1989-1993) es una gran fotografía negro y blanco de Jane, soga alrededor de su cuello, verter agua en un acuario y sobre la cabeza de Louise. sugestión hipnótica (1993) cuenta con imágenes de video de los gemelos bajo hipnosis. Trabajo de los Wilson tomó un giro más político con Stasi City (1997), una proyección de vídeo de cuatro pantallas filmado en la ex Jefatura de Policía Stasi en Berlín Oriental. Dado que este proyecto, el trabajo de los Wilson ha explorado el Modernismo y sus ambiciones a través de sitios históricos específicos. Se filmó en la base militar estadounidense en Greenham Common, Inglaterra, por Gamma (1999). Dreamtime (2001) fue filmada durante el lanzamiento de un cohete ruso en el Cosmódromo de Baikonur, en Kazajstán, el mayor centro de lanzamiento espacial en el mundo. Un monumento gratuito y anónimo (2003) utiliza cuatro pantallas de vídeo para hacer frente a la historia de Apollo Pavilion de Victor Pasmore, una escultura arquitectónica construida en el centro de la ciudad de Gateshead, Inglaterra, y ahora cubierto de graffiti y considerado como un símbolo del fracaso de la planificación urbana modernista. Esta estructura abstracta se yuxtapone en la película con una plataforma petrolera cuya función inversa dicta su forma. Para una exposición de 2006 en la Galería Lisson titulado The New brutalistas , los Wilson creó una instalación compuesta de videos y fotografías a gran escala de los sitios decrépitos que una vez sirvieron como puestos militares del Tercer Reich alemán, como el empleo de la arquitectura brutalista para fines violentos extiende el examen de la otra vida inquietante de axiomas modernistas de los artistas. Las hermanas Wilson han tenido exposiciones en el Centre d’Art Contemporain de Ginebra (1997), Kunsthalle de Hamburgo (1999), la Tate de Londres (2000), Kunst-Werke de Berlín (2002), el Centro Báltico de Arte Contemporáneo en Gateshead, Inglaterra (2003) y Museo de arte de Bergen en Noruega (2005), entre otros lugares. En 2005, los Wilson fueron invitados por el Royal Opera House de Londres para diseñar juegos para la producción de Michael Tippett de The Knot Garden . También han expuesto ampliamente en exposiciones colectivas internacionales, incluyendo el Carnegie International (1999), Bienal de Corea (2000), Bienal de Estambul (2001), Moving Pictures en el Museo Guggenheim Bilbao (2003), Recordar a Kunsthaus Bregenz, Austria (2003 ) y Out of Time en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (2006). En 1999, fueron preseleccionados para el Premio Turner. Viven y trabajan en Londres.
BILL VIOLA
Biografía:
Bill Viola es una figura importante en el videoarte. Sus instalaciones y videos, que han recibido el reconocimiento internacional, se distinguen por una confluencia de resonancia alegórica y control virtuoso de la tecnología. Viola explora sistemas temporales y óptica de vídeo para examinar metafóricamente modos de percepción y de la cognición, y, finalmente, trazar una búsqueda simbólica de uno mismo. El empleo de un riguroso estructuralismo, una investigación ritualizada de los fenómenos visuales y acústicas, la ilusión y la realidad, se logra una articulación poética de la trascendencia visionaria. “Poemas visuales, alegorías en el lenguaje de la percepción subjetiva”, es la forma en términos viola sus cintas de vídeo, que incluyen obras tan importantes como Chott el-Djerid (1979); Hatsu Yume (First Dream) (1981), y yo no sé lo que es lo que estoy igual (1986). La luz y el tiempo son los materiales esenciales que Viola conduce su metafísica, en momentos de búsqueda espiritual para conocer y definir el mismo. Dictada plástico, que se utilizan para definir un lenguaje simbólico del inconsciente y la conciencia, el microcosmos y el macrocosmos, paisajes interiores y exteriores. Despliegue sin lenguaje hablado, impregnada de transformaciones emblemáticos e imágenes arquetípicas, sus obras sugieren sueños subconscientes o recuerdos pre-lingual. Extraordinario uso de la viola de la tecnología de vídeo a “esculpir” con el tiempo es uno de los pocos “efectos especiales”. Time-lapse, cámara lenta, las inversiones, la duración y otras intervenciones temporales adquieren significado metafórico, que evocan los ciclos de día y noche, nacimiento, vida, muerte y renovación. Viola nació Queens, Nueva York en 1951. Obtuvo un BFA de la Escuela de Artes Visuales y Escénicas de la Universidad de Syracuse, en el año 1973. Mientras estuvo allí, fue un participante clave en el Synapse Video Center, uno de los primeros centros de medios de comunicación alternativos en el estado de Nueva York. En 1973, él y varios músicos formaron los Composers Inside Electronics Group, en 1975, se convirtió en director técnico de Art/Tapes/22, estudio de producción de artistas en Florencia, Italia. Desde 1976 hasta 1980, Viola fue artista en residencia en el Laboratorio de Televisión WNET en / Thirteen, Nueva York, fue artista en residencia en la Sony Corporation, Atsugi, Japón, en 1980. Viola ha recibido numerosos premios, entre ellos el de Estados Unidos / Japón Intercambio Fellowship en 1980, una beca de la Fundación Rockefeller en 1982, una beca de la Fundación Guggenheim en 1985, el Premio de Videoarte Polaroid en 1985, National Endowment for the Arts Awards en 1978, 1983, 1986 y 1989, y el Premio Maya Deren del American Film Institute de Cine Independiente y de Video en 1987. En 1989, él era el destinatario de un John D. y Catherine T. MacArthur Foundation Award, y en 1993 recibió la Medalla Skowhegan (Video Instalación), y el Medienkunstpreis, Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe y Siemens Kulturprogramm, Alemania. Otros reconocimientos incluyen el Premio Cultural de Liderazgo de la Federación Americana de las Artes, en 2003, un NORD / LB Art Prize, Bremen, Alemania 2006, y en 2009 recibió el Premio Eugene McDermott en las Artes, Cambridge, MA, así como la Cataluña Premio Internacional, Barcelona, España.
STAN DOUGLAS
Biografía:
Desde finales de 1980, Stan Douglas ha creado películas, fotografías e instalaciones que reexaminar determinados lugares o acontecimientos pasados. Sus obras a menudo llevan a sus puntos de partida en los entornos locales, de los cuales se pueden identificar cuestiones más amplias. Haciendo uso frecuente de nuevos, así como las tecnologías anticuadas, Douglas se apropia de los géneros de Hollywood existentes (incluyendo misteriosos asesinatos y la occidental) y toma prestado de obras literarias clásicas (especialmente Samuel Beckett, Herman Melville y Franz Kafka) para crear marcos contextuales confeccionados para sus complejos, investigado a fondo los proyectos. Douglas nació en 1960 en Vancouver, donde sigue viviendo y trabajando. Fue uno de los primeros artistas en ser representados por David Zwirner, donde tuvo su primera exposición individual de América en 1993. Stan Douglas: Disco Angola marcó su undécima exposición individual en la galería en 2012. Douglas fue galardonado con el prestigioso premio Infinity Award del International Center of Photography, Nueva York en mayo de 2012. Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales en instituciones prominentes de todo el mundo, incluyendo The Power Plant, Toronto (2011); Staatsgalerie Stuttgart y Württembergischer Kunstverein, Stuttgart (2007), El Studio Museum de Harlem, Nueva York (2005); kestnergesellschaft, Hanover (2004), y la Serpentine Gallery, Londres (2002). El trabajo de la artista se ha incluido en una serie de recientes exposiciones colectivas en el Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York; ZKM | Museum für Neue Kunst, Karlsruhe, Alemania (ambas de 2010), el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York (2009 y 2008), Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC (2008), el Centro Georges Pompidou, París (2007), entre otros,. Las principales colecciones de los museos que poseen obras del artista son la Galería de Arte de Ontario, Toronto, el Centro Georges Pompidou, París, El Museo de Israel, Jerusalén, Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Galería Nacional de Canadá, Ottawa, Museo de San Francisco de Arte Moderno, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Tate Gallery, Londres, Vancouver Art Gallery y el Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota.
JENNIFER & KEVIN MCCOY
Biografía:
Obras de arte multimedia del McCoy examinan los géneros y convenciones de la cinematografía, la memoria y el lenguaje. Son conocidos por la creación de video-instalación y la escultura. Jennifer y Kevin McCoy fueron 2.011 Guggenheim Foundation becarios y 2005 Wired ganadores del Premio Rave. El trabajo de los McCoys ‘ha sido ampliamente exhibido en los EE.UU. como a nivel internacional-exposiciones como Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Centro Pompidou en París; BFI (British Film Institute) Southbank de Londres, el Kunstverein de Hannover, el Beall Center en Irvine, CA; pkm Gallery de Beijing, el Museo de Arte de San José, y Palazzo della Papesse. Las residencias incluyen el Consejo de Lower Manhattan Cultural y el Centro de promontorios de las Artes. Su trabajo se puede ver en las colecciones del Museo de Arte Moderno, el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte de Milwaukee, y MUDAM en Luxemburgo.
DOUGLAS GORDON
Biografía:
Douglas Gordon saltó a la fama internacional en la década de 1990, y es muy famoso por su riguroso trabajo conceptual. Renovacion encontró materiales de base que van desde las películas de suspenso de Alfred Hitchcock de la literatura de terror clásico como doctor Jekyll y el señor Hyde , las minas de origen escocés Gordon las implicaciones psicológicas de estos textos como memoria cultural compartida. En las proyecciones de cine, obras de video, performances, fotografía e instalaciones multimedia, Gordon reinventa estos textos culturales para hacer frente a las nociones de ser y la subjetividad, la posibilidad de conocer el mal, y la ambigüedad de la moral. Douglas Gordon nació en 1966 en Glasgow, Escocia. Se licenció en la Escuela de Arte de Glasgow en 1988 y se graduó en la Slade School of Art de Londres en 1990.Gordon fue galardonado con el Premio Turner en 1996, el Premio 2000 de la Bienal de Venecia en 1997 y el Premio Hugo Boss en 1998. Desde su primera exposición individual en 1986, Gordon ha realizado numerosas exposiciones a nivel internacional, en lugares como el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Centro cultrual de Belém, Portugal, Dia Center for the Arts, de Nueva York, el Museo de Arte Contemporáneo, Los Angeles, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC, y la Tate Liverpool, Inglaterra. Ha participado en exposiciones colectivas internacionales en lugares como Zentrum piel Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe, Alemania, New Museum of Contemporary Art, Nueva York, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Museo de Arte Tapei Fine, Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou, París, Arte contemporáneo y Tecnología Bienal, Seúl, Corea, Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, Paris y Museo de Arte Contemporáneo de Helsinki. Douglas Gordon vive y trabaja en Glasgow.
PIERRE HUYGHE
Biografía:
Pierre Huyghe nació en 1962 en París, Francia. Huyghe es un artista, cineasta y filósofo que vive y trabaja en París y Nueva York. Estudió en la École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, París (1982-1985). Sus obras hacen uso del placer temas, la aventura y la celebración. A través de exposiciones, películas y eventos públicos Pierre Huyghe crea escenarios que exploran las fronteras de la ficción y la realidad. Su obra abarca desde teatro de títeres para los pequeños desfiles pueblo y parques de atracciones modelo. A menudo filmando escenarios recreados, trata de utilizar el poder del cine para volver a visualizar la memoria. Piere Huyghe fue receptor de un Artista en Residencia del DAAD subvención en Berlín (1999-2000) y recibió el Premio Especial del Jurado de la Bienal de Venecia en 2001, donde representó a Francia, así como el Premio Hugo Boss del Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York en 2002. Celebración siempre me ha interesado. Me refiero, por ejemplo, Halloween.Creo que fue la primera de Halloween una celebración irlandesa, y luego fui a los EE.UU. y se convirtió en una gran fiesta estadounidense. Y creo que hace diez años, a principios de los años 90, comenzamos a tener Halloween en Francia. Por supuesto, hay una razón económica detrás de él. Pero no celebramos más de Halloween en Francia. Lo celebramos desde hace diez años. Fue un intento de trasplantar una celebración, pero no funcionó. Es como cuando se trasplanta un órgano y luego el cuerpo se niega, porque no hay razón para aceptarlo -. Pierre Huyghe Huyghe ha realizado exposiciones individuales en la Tate Modern, Londres y ARC, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (2006); Carpintero Center, la Universidad de Harvard, Cambridge, Massachusetts (2004), Museo de Arte Moderno de Fort Worth, Texas (2004 ), Centro de Dia para las Artes, Nueva York (2003) y Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York (2003), Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (2000), y el Centro Georges Pompidou, París (2000). El Fondo de Arte Público comisionó Huyghe para crear “un viaje que no era” (2006), que incluyó una expedición a la Antártida, una actuación en el Central Park, y una instalación de vídeo en la Bienal del Whitney en Nueva York Trad. Pierre Huyghe nació en 1962 en París, Francia. Huyghe es un artista, cineasta y filósofo que vive y trabaja en París y Nueva York. Estudió en la École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, París (1982-1985). Sus obras hacen uso del placer temas, la aventura y la celebración. A través de exposiciones, películas y eventos públicos Pierre Huyghe crea escenarios que exploran las fronteras de la ficción y la realidad. Su obra abarca desde teatro de títeres para los pequeños desfiles pueblo y parques de atracciones modelo. A menudo filmando escenarios recreados, trata de utilizar el poder del cine para volver a visualizar la memoria. Piere Huyghe fue receptor de un Artista en Residencia del DAAD subvención en Berlín (1999-2000) y recibió el Premio Especial del Jurado de la Bienal de Venecia en 2001, donde representó a Francia, así como el Premio Hugo Boss del Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York en 2002. Celebración siempre me ha interesado. Me refiero, por ejemplo, Halloween. Creo que fue la primera de Halloween una celebración irlandesa, y luego fui a los EE.UU. y se convirtió en una gran fiesta estadounidense. Y creo que hace diez años, a principios de los años 90, comenzamos a tener Halloween en Francia. Por supuesto, hay una razón económica detrás de él. Pero no celebramos más de Halloween en Francia. Lo celebramos desde hace diez años. Fue un intento de trasplantar una celebración, pero no funcionó. Es como cuando se trasplanta un órgano y luego el cuerpo se niega, porque no hay razón para aceptarlo -. Pierre Huyghe Huyghe ha realizado exposiciones individuales en la Tate Modern, Londres y ARC, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (2006); Carpintero Center, la Universidad de Harvard, Cambridge, Massachusetts (2004), Museo de Arte Moderno de Fort Worth, Texas (2004 ), Centro de Dia para las Artes, Nueva York (2003) y Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York (2003), Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (2000), y el Centro Georges Pompidou, París (2000). El Fondo de Arte Público comisionó Huyghe para crear “un viaje que no era” (2006), que incluyó una expedición a la Antártida, una actuación en el Central Park, y una instalación de vídeo en la Bienal del Whitney en Nueva York. Pierre Huyghe trajo recientemente su espectáculo Parque Celebración de Museo de Arte de Reikiavik, Islandia, MUSAC estilo castellano y León, España, Tate Modern, Londres, Inglaterra y la ARC, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, París, Francia. En 2006 se presentó, este no es un tiempo para soñar, en la Marian Goodman Gallery, Nueva York, Nueva York. En 2005 Pierre Huyghe organizó un viaje que no estaba en Wollman Pista de Hielo, Central Park como parte de un Fondo de Arte Público en Nueva York, Nueva York. También mostró Streamside Day, tanto en el, Moderna Museet en Estocolmo, Suecia, y en el Museo Irlandés de Arte Moderno de Dublín, Irlanda. 2004 fue un gran año para Pierre Huyghe sus shows de este año incluyen: Huyghe + Corbusier: El Centro de proyectos Carpintero, carpintero Center, Museo de Arte Fogg, Universidad de Harvard en Cambridge, Massachusetts; Streamside Day, Galería Marian Goodman, en París, Francia; un espectáculo en el Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea en Rivoli, Torino, Italia; un millón de Reinos, Les Grandes Conjuntos en el Museo de Arte Moderno de Fort Worth, Texas, y en el vientre de un arquitecto (con Rirkrit Tiravanija y Pamela M. Lee) Portikus, en Frankfurt am Main, Alemania. En 2003 Pierre mostró Celebración Streamside día en Fishkill, Nueva York y Streamside Day Follies en el Dia Center for the Arts en Nueva York, Nueva York. También mostró la Tercera Memoria de la Universidad de Museo de Arte de Virginia, en Charlottesville, Virginia en 2003. En 2002 Pierre recibió el Premio Hugo Boss en el Solomon R. Guggenheim Museum, en Nueva York, Nueva York. Pierre Huyghe es autor de varios libros, entre ellos: Pierre Huyghe Streamside Day Follies (Kunstverlag. 2007), Pierre Huyghe:… Celebración parque (Tate. 2006), Christov-Bakargiev, Carolyn Pierre Huyghe:. Flotador (Skira. septiembre 18, 2004), este no es un tiempo para soñar: Pierre Huyghe (Harvard University Art Museums 2004), no sólo un fantasma shell:.. Pierre Huyghe y Philippe Parreno (Koln. 02 de mayo 2004), Parkett N º 66. Espíritu. (Parkett. Enero 1, 2003), y Huyghe, Pierre (Editor) y Douglas Coupland. School. (Dis Voir. 02 de octubre 2002).
RODNEY GRAHAM
Biografía:
Rodney Graham, artista (nacido en Vancouver 16 de enero 1949). Conocido por su escultura conceptual, obras de texto, la música y la escultura, Graham se asocia con un grupo de artistas que incluye a Vancouver Jeff Wall, Ian WALLACE, Ken Lum y otros. El arte de Graham utiliza una estrategia que él llama “anexión”, una postura irónica que difiere de “apropiación” en el sentido de que su obra se manifestará anexo de obras existentes. Se ha añadido un largo pasaje de texto Cottage de Landor de Poe, produjo una serie de esculturas basadas en las obras de Donald Judd y compuso una obra musical con algunos bares de Parsifal de Wagner, que se llevará algunos años para jugar. Los temas principales del centro de trabajo de Graham alrededor de los sistemas de la disminución en entropía. Gran parte de su trabajo trata sobre el conflicto entre la naturaleza y la cultura en la economía de extracción de recursos. Su trabajo sobre Freud se extiende en un interrogatorio de la psique moderna. Durante muchos años, Graham trabajó en una relativa oscuridad, pero a finales de 1980 comenzó a ser incluido en importantes exposiciones internacionales. Él es especialmente conocido en Bélgica, donde su trabajo se ve que tiene asonancia con la obra de Marcel Broodhaers. Graham está representado por las galerías en Colonia, Londres, Nueva York, Bruselas y Amberes.
MARK LEWIS
Biografía:
Mark Lewis (1958, Hamilton, Canadá) inició su trabajo con la fotografía buscando, dentro del amplio abanico de posibilidades que ofrece este medio, aquellas imágenes que más le acercaran al estudio de la Naturaleza y su conexión con la vida del Hombre. Desde aquí pasó al mundo de la imagen en movimiento. Es una evolución lógica que han experimentado muchos autores en los últimos años. Desde la representación “quieta” que ofrece la fotografía es evidente que se busca y se pide más. Pasar desde lo estático, como intentando bucear en las posibilidades de la obra y su trasfondo y hacer que tanto paisajes como personajes cobren vida en un intento más de desarrollar la acción. Por otra parte, su obra en video, en cine deberíamos decir para ser más exactos, no ha dejado ese punto de fotografía, tanto en los planos filmados como es la estética de cada uno de sus trabajos y también por que el final de cada obra en este último medio tiene más de fotografía que de filmación. En muchos videos la cámara realiza un movimiento lento sobre un asunto concreto hasta terminar en una imagen fija que, en muchos casos, actúa como colofón de la obra. Para Michael Rush, quizá el mejor conocedor de su trabajo, “Mark Lewis disfruta con los momentos finales… para Lewis, los momentos finales permiten una cierta libertad para investigar lo que se ha dejado atrás, incluso aunque el resto del mundo se mueva en otra dirección”.
GREGORY CHATONSKY
Biografía:
Nacido en París Grégory Chatonsky actualmente reside en Montreal y París. Posee un título de filosofía en la Sorbona y un grado avanzado multimedia de la Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts de París. Ha trabajado en numerosos proyectos individuales y colectivas en Francia, Canadá, Estados Unidos, Italia, Australia, Alemania, Finlandia y España. Sus obras han sido adquiridas por coleccionistas públicos, como la Maison Européenne de la Photographie. En 1994, fundó una Chatonsky net.art colectiva, incident.net, y ha producido numerosas obras, como los sitios web del Centro Pompidou y la Villa Médicis, la firma gráfica del Museo contemporain du Val-de-Marne, y la ficción interactiva de Arte. Ha sido profesor en la Fresnoy (estudio de arte moderno nacional, Francia) y en la escuela de artes visuales y el arte de los medios de la UQAM.El cuerpo de Chatonsky de trabajo, incluidas las instalaciones interactivas, dispositivos de red y urbanas, fotografías y esculturas, habla de la relación entre las tecnologías y la afectividad.
HARUN FAROCKI
Biografía:
Harun Farocki nació en 1944 en Novy Jicin (República Checa, en aquel momento, anexado a Alemania). En 1966 entró a la Academia de Cine y Televisión (DFFB) en Berlín, de la que fue expulsado en 1968 por razones políticas. Farocki ha escrito textos teóricos, guiones cinematográficos y televisivos. Su obra se expuso en la Documenta 12 de Kassel y en numerosas retrospectivas internacionales. Las primeras películas de Farocki están marcadas por las ideas de la revolución cultural formuladas por la izquierda radical de la época. Fuego inextinguible (1968-69), sobre la fabricación de napalm para su uso en la guerra de Vietnam, toma uno de los temas por excelencia del movimiento estudiantil de esos años. Paralelamente, realiza ensayos cinematográficos que cuestionan el uso del cine como medio pictórico. A través del montaje y la composición de imágenes filmadas y de archivo, Farocki produce un subtexto que deja al descubierto los contextos de significación técnicos, sociopolíticos y culturales en la producción, distribución y recepción de imágenes. En obras como Videogramas de una revolución (1992), realizada enteramente con found footage –imágenes tomadas de la televisión rumana–, Farocki configura un orden narrativo completamente nuevo. En estos trabajos, tematiza las interacciones entre los procesos históricos y su representación en los medios. Desde finales de la década de 1990, Farocki profundiza en la creación de obras en video e instalaciones para contextos expositivos, como la Documenta 10, en 1997. Sus últimas instalaciones tratan acerca de la instrumentalización de la cámara como herramienta de supervisión y control: I Thought I Was Seeing Convicts (2001) revela la transición de una sociedad disciplinaria a una sociedad de control por medio del uso de imágenes de video de una cámara de seguridad. Del mismo modo, Eye / Machine (2002) muestra hasta dónde ha progresado el uso de imágenes con fines de supervisión técnica en los sectores civil y militar. Sus trabajos más recientes incluyen: Harun Farocki. First Time in Warsaw, Centre for Contemporary Art Ujadowski Castle, Varsovia, 2012 (curaduría y publicación); Video Installations at the former Hotel Pythagoras, Samos, 2012; Serious Games. War – Media – Art, Mathildenhöhe, Darmstadt, 2011 (curaduría y publicación); Tropen des Krieges, Gorki Theater, Berlín, 2011 (exhibición con Harun Farocki), Three Early Films (con Kodwo Eshun & Bart van der Heide), Cubitt Gallery, Londres, 2009 (curaduría); Harun Farocki. 22 films, 1968–2009 (curaduría con Stuart Comer & Kodwo Eshun), Tate Modern, Londres, 2009; Harun Farocki. Against What?Against Whom? (publicación con Kodwo Eshun), Köln. 2009.
EIJA-LIISA AHTILA
Biografía:
Eija-Liisa Ahtila estudió cine en el London College of Printing, UCLA, y en el American Film Institute de Los Angeles. En 1990 recibió el Young Artist of the Year Award, Tampere, Finlandia. Desde entonces, ha recibido numerosas becas y premios, entre ellos un AVEK-premio por logros importantes en el campo de la cultura audiovisual (1997), el Edstrand Arte Precio (1998), una beca del DAAD (1999), Mención de Honor en el 48 ª Bienal de Venecia (1999), el Premio de Vincent Van Gogh Bi-anual de arte contemporáneo en Europa (2000) y una subvención de cinco años desde el Comité Central de las Artes (2001), así como el premio Artes Mundi (2006 ). Más recientemente fue galardonada con la Medalla Prince Eugen de logro artístico excepcional (2009). Ha participado en la Documenta XI (2002) y la 50 ª Bienal de Venecia (2005). Ella también va a ser un participante en la próxima quinta Bienal de Moscú (2013). Importantes exposiciones individuales recientes se ha demostrado en el Moderna Museet, Estocolmo (2012), el Jeu de Paume, París y la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf (2008).
MATTHEW BARNEY
Biografía:
Matthew Barney nació el 25 de marzo de 1967 en San Francisco. En 1989, se graduó de la Universidad de Yale, New Haven. Desde entonces, se ha creado el trabajo que fusiona instalaciones escultóricas con Performance [ más ] y video. Su visión singular pone en primer plano los rigores físicos del deporte y sus corrientes subterráneas eróticos para explorar los límites del cuerpo y de la sexualidad. En este sentido, la obra del artista refleja su pasado como atleta, mientras que también está en sintonía con una nueva política del cuerpo evidente en la obra de muchos artistas contemporáneos. Acciones rituales de Barney se desarrollan en espacios híbridos que evocan a la vez un campo de entrenamiento y laboratorio de investigación médica, equipado como están con la lucha libre esteras y bloqueo trineos, retractores esternal y espéculos, y una gama de accesorios a menudo echan en, o recubiertos con sustancias viscosas tales como la cera, de tapioca, y vaselina. De hecho, sus primeras obras, creado en Yale, se llevaron a cabo en el complejo deportivo de la universidad. Dentro de este universo alternativo, protagonistas-como un actor vestido como Oakland Raider Jim Otto, y el propio artista desnudo o cruz-vestido-para participar en un baile metafórico de la diferenciación sexual de Barney.Barney comenzó a trabajar en el Cremaster ciclo en 1994. Evitando orden cronológico, que primero produce cremáster 4 (1994), seguido por Cremaster 1 (1995), Cremaster 5 (1997), Cremaster 2 (1999), y Cremaster 3 (2002). Junto con cada largometraje Cremaster película, que Barney escribe y dirige, y en el que a menudo desempeña una o más funciones, el artista ha creado esculturas relacionadas, dibujos y fotografías. Este ciclo épico tiene como su punto de partida conceptual el músculo cremáster masculina, que controla las contracciones testiculares en respuesta a los estímulos externos. El proyecto está plagado de alusiones anatómicas a la posición de los órganos reproductivos durante el proceso embrionario de diferenciación sexual: Cremaster 1 representa el más “ascendido” (o no diferenciadas) estatal, Cremaster 5 el más “descendieron” (o diferenciado). El ciclo vuelve varias veces para esos momentos durante el desarrollo sexual en el que el resultado del proceso es aún desconocido-metafórica en el universo de Barney, estos momentos representan una condición de la potencialidad pura. A medida que el ciclo se desarrolló en ocho años, Barney miró más allá de la biología como una forma de explorar la creación de la forma, el empleo de los: modelos narrativos de otros ámbitos, como la biografía, la mitología y la geología.
OMER FAST
Biografía:
Nacido 1972 en Jerusalén, Israel, vive en Berlín, Alemania Omer Fast trabaja con el cine, el vídeo y las imágenes de televisión para examinar cómo los individuos y las historias interactúan unos con otros en la narrativa. Se mezcla el sonido y la imagen en historias que a menudo viran entre el personal y la cuenta de los medios de comunicación de los hechos y la historia actual. Para lista de Spielberg (2003), una instalación de vídeo en color de 65 minutos, twochannel, el artista visitó Cracovia, la ciudad polaca que sirvió como escenario de la película de Steven Spielberg La lista de Schindler (1993), y se entrevistó con los polacos que trabajaron como extras en la película . Sus recuerdos se presentan como los auténticos, cuentas secas de un evento histórico-en la mayoría de los casos, la producción de Hollywood década de 1990, pero en algunos casos la década de 1940 ocupación alemana. El artista yuxtapone estas cuentas con los tiros del set de filmación sobrevivir, construido cerca de los restos del campo de trabajo alemán actual y nunca totalmente desmantelado. Al igual que los dos sitios, que aparecen cada vez más indistinguibles con el paso del tiempo, el trabajo pone de manifiesto la producción de la historia a través de la fusión de recreación y reliquia. En Godville (2005), una de 51 minutos, de dos canales de vídeo en color, recreadores históricos en el Colonial Williamsburg museo de historia viva en Virginia describen la vida de los personajes del siglo XVIII y en sus vidas personales en formas que parecen intercambiables. Fast empalmes las biografías recrea y real entre sí, a menudo sinónimo de palabras, en una narración laberíntica que es tan fluido como auditiva es temporal disonante. La obra cuenta la historia de un pueblo en Estados Unidos cuyos residentes se amarras, flotando en algún lugar entre el pasado y el presente, entre la revolución y la recreación, entre la ficción y la vida. El trabajo reciente de Fast The Casting (2007), una proyección de vídeo de cuatro canales más cortos, aborda temas de actualidad. Un sargento del Ejército de EE.UU. relata dos incidentes: una relación amorosa con una joven alemana que se mutila a sí misma y el disparo accidental de un iraquí. Los dos cuentos están perfectamente entrelazados en un guión que se le dio a los actores a actuar en cuadros silencio. Mientras los actores se esfuerzan por mantenerse quieto, recuerdos del narrador se deslizan entre el ajuste y la historia, tratando de encontrar alivio si no la redención en el acto de recordar
WILLIE DOHERTY
Biografía:
b. 1959, Derry, Irlanda del Norte. Desde la década de 1980, Willie Doherty ha sido una figura pionera en el cine arte contemporáneo y la fotografía. A la vez altamente seductor y desorientación visual, obras de arte de Doherty tienden a comenzar como respuestas a terrenos específicos (con mayor frecuencia ajustes aislados misteriosos, lugares, sospechamos, con un pasado turbulento) y evolucionar como reflexiones complejas sobre cómo nos vemos en estos lugares en ¿Qué historias podría ser dicho acerca de sus historias ocultas. El principal punto de referencia geográfica para Doherty durante las tres décadas de su notable carrera ha sido su ciudad natal de Derry – una ciudad famosa definido y delimitado de acuerdo a las divisiones traumáticas “Troubles” de Irlanda del Norte. Desde sus primeras obras conceptuales de foto-texto – se centran en la imposibilidad de establecer cualquier punto de vista “objetivo” en este territorio de la segregación sectaria y la vigilancia militar – al díptico y trabaja en serie en el cine y la fotografía que establece puntos de vista contradictorios entre sí, Doherty tiene regresar una y otra vez a Derry como fuente y objeto, revisar y volver a ver los lugares conocidos de posiciones alternativas. (Una obra clave en este sentido es el Turner Prize película nominada Vuelva a ejecutar a partir de 2002). Doherty, ha sido un arte de inquietante, la mediación incómoda en el paisaje – a propósito frustrar el establecimiento de una posición clara, cualquier vista única autoridad. Durante la última década, Doherty ha ofrecido persistentes vistas, ansiosos de situaciones posteriores a los conflictos en Irlanda del Norte, que nos piden que preguntarse, como el narrador de la película de 2007 Ghost Story propone, “sobre lo que había sucedido con el dolor y el terror que había tenido lugar allí “. Sin embargo, trabajos recientes también han asistido a lugares alternativos, o propuesto puntos menos específicos de referencia (una película importante de 2005, se muestra en la exposición principal de la Bienal de Venecia, fue titulado elocuentemente amenaza no específica). Secreción (2012), una película de encargo para Documenta 13 en Kassel, por ejemplo, se ha desarrollado como una respuesta ficticia inquietante el paisaje industrializado de Alemania central, dirigiéndose oblicuamente los efectos de un pasado traumático en los paisajes de la vida presente. Las preocupaciones y las características de secreción son consistentes con los de la carrera de Doherty hasta la fecha, pero demuestran nuevas formas en las que la mirada forense de su arte puede ser aplicado recientemente. Nominado dos veces para el Premio Turner (2003, 1994), el trabajo de Doherty ha sido objeto de muchos museos Exposiciones Individuales como The Speed Art Museum, New York (2011), el Instituto de Arte Contemporáneo de Toronto (2009), Fruitmarket Gallery, Edimburgo (2009 ), Lenbachhaus, Munich (2007), Kunstverein de Hamburgo (2007), Laboratorio Arte Alameda, Ciudad de México (2006), Museo Irlandés de Arte Moderno de Dublín (2002). Renaissance Society, Chicago (1999) y la Tate Gallery, Liverpool (1999). Las muestras colectivas incluyen Manifesta 8 (2010), tercera Trienal de Auckland (2007), Bienal de Venecia 2007, 2005 y 1993, Reality reprocesamiento, PS.1 MOMA, Nueva York (2006), Bienal de Estambul (2003) y la Carnegie International (1999) . En 2011 Dublin City Gallery, The Hugh Lane presentó una encuesta muestran «Perturbaciones”, que estrenó su aclamado nuevo trabajo en video ‘Ancient Ground’. La exposición se acompaña de una nueva publicación y se encuentra actualmente en exposición en la galería Towner, Eastbourne. Se produjo un nuevo trabajo para Documenta (13) en 2012. Próxima exposición de Doherty, Invisible, presentará un nuevo trabajo en el cine y un estudio de las obras fotográficas y de video, que se acompaña de un catálogo con nuevos ensayos como parte de Derry- Londonderry Ciudad de la Cultura 2013.
CANDICE BREITZ
Biografía:
Desde mediados de la década de 1990, con sede en Berlín artista sudafricana Candice Breitz (nacido en Johannesburgo en 1972) ha elaborado un cuerpo de trabajo el tratamiento de diversos aspectos de la estructura de la identidad y la identificación psicológica. Desde 1999, ella ha creado su mayoría instalaciones de vídeo multicanal, en la que la relación entre un canal individual de material de archivo y la red más grande de las imágenes en movimiento proporciona un espacio para reflexionar sobre la relación entre el individuo y la comunidad. Central de su trabajo es la cuestión de cómo un individuo se convierte en “lo mismo en relación con una comunidad más amplia, ya sea de la comunidad inmediata que uno encuentra dentro de una familia o de una comunidad real o imaginaria que se forma no sólo por cuestiones de nacional pertenencia, la raza, el género y la religión, sino también por la cada vez más innegable influencia de los medios de comunicación, como la televisión, el cine y la música popular. Candice Breitz ha sido profesor de Bellas Artes en la Hochschule für Künste Braunschweig Bildende desde 2007. En los últimos años, exposiciones individuales de su obra se han organizado por, entre otros, el Temporäre Kunsthalle de Berlín, el Palais de Tokyo (París), De Appel (Amsterdam), el Museo de Arte Moderno de San Francisco, White Cube (Londres) y STUK (Lovaina)
BILL SEAMAN
Biografía:
El trabajo de Bill Seaman se desarrolla en el contexto de un lenguaje estético ya desarrollado de vídeo y utiliza elementos de vídeo en entornos hipermedia. El trabajo de Seaman es ejemplar para la transición de vídeo a hipertexto a través de la combinación y recombinación de elementos individuales de imagen, música, sonido y texto. Este enfoque también conduce a formatos tales como cintas de vídeo, discos de vídeo, CD-Rom e instalaciones interactivas, que trabajan con los mismos elementos (por ejemplo, el video El Mecanismo exquisito de escalofríos, 1991, AUS / EE.UU., y la versión CD-Rom en 1994). Seaman trata de explorar las transiciones de los espacios de imagen a las imágenes espaciales y para crear zonas en las que se produzca una fusión híbrido de diferentes elementos virtuales y máquinas virtuales en la configuración del entorno. Seaman utiliza constantemente pasajes de texto e imágenes en un espacio / territorio imagen Imagen simulada como herramienta creativa característica en la producción de relaciones estructurales entre los medios de comunicación de vídeo y ordenador. Se traduce el concepto de movimiento que fluye en la imagen electrónica en desaceleración. Movimientos de cámara Planear y ‘stills slow-motion/video’ enfatizan el carácter inestable y flexible de un modo visual. Combinación sin embargo, es otra de las características a través del cual se hace visible en términos de su potencial de expansión y fenómenos fronterizos la estructura de vídeo. Combinación es el resultado de la lógica de un funcionamiento de la máquina, sino que es a través de los programas de ordenador que Seaman crea un modo de video “recombinante”.
MICHAEL NAIMARK
Biografía:
Michael Naimark ha estado explorando lugar la representación como artista e investigador por más de 30 años. Él ha hecho equipos de cámara personalizadas para grabar desde la calle, acera, aire, ferrocarril y ruta de senderismo, y ha filmado experimentos estéreo panorámicas de sitios del Patrimonio Mundial en peligro de extinción. Sus instalaciones inmersivas han incluido pantallas 3D, pisos giratorios, y salas de estar pintada con spray blanco. El trabajo de Naimark es una inusual combinación de optimismo y el activismo, por ejemplo, en la actualidad ocupa el número 1 en las búsquedas de Google, tanto para cámaras VR y zapper cámara (así como para el arte académico y la tecnología). Michael Naimark es profesor asociado visitante en el Programa MIT Media Arts y las Ciencias, con licencia de la Escuela USC de la División de Medios Interactivos Artes Cinematográficas. Ha dirigido proyectos con el apoyo del Exploratorium, National Geographic, el Centro Banff, UNESCO, Ars Electronica, la Fundación Rockefeller y el metro de París, y de Atari, Disney, Apple, Panavision, Lucasfilm, a intervalos, y Google (donde era un ganador del Premio de Investigación 2007). Naimark fue el ganador del Premio Mundial de Tecnología para las Artes de 2002 y ha sido miembro de la Sociedad para la Antropología Visual desde 1984.
TERESA HUBBARD Y ALEXANDER BIRCHLER
Biografía:
Teresa Hubbard nació en Dublín, Irlanda, en 1965, Alexander Birchler nació en Baden, Suiza, en 1962. Teresa Hubbard y Alexander Birchler viven y trabajan en Austin, Texas, como compañeros de vida y artistas-colaboradores. Ambos recibieron MFAs de la universidad de Nueva Escocia del arte y del diseño, Halifax, Canadá. Hubbard y Birchler hacer cortometrajes y fotografías sobre la construcción del tiempo narrativo y el espacio, sin el contexto de una historia tradicional, sus abiertas, relatos enigmáticos suscitan múltiples lecturas. Comenzaron su colaboración a mediados de la década de 1990, haciendo escultura, instalación, fotografía, y basado en el rendimiento de trabajo. En una serie fotográfica temprana, crearon la película-aún-al igual que las imágenes de personas que interactúan con los objetos y la arquitectura de una manera que cuestionaban resolución narrativa simplista. Su interés en la construcción y negociación de espacios, la arquitectura y la función de los objetos en tres dimensiones todavía juega un papel primordial en su trabajo. En las instalaciones de vídeo “Edificio singular” (2001) y “Ocho” (2001), la cámara se mueve dentro y fuera de los edificios en bucles sin fisuras, desdibujando las fronteras físicas y cronológicas entre aquí y allá, antes y después. Sus producciones revelan un fuerte sentido de la cuidadosamente construida mise-en-scène que se debe tanto a dioramas-historia-museo natural en cuanto a técnicas como director cinematográfico. Estas obras parecen ser empalmado de una narrativa más amplia, pero los artistas no están dispuestos a llevar al espectador hacia cualquier aprehensión concreta de lo que la historia podría ser. Hubbard y Birchler citan como influencias Hitchcock, Malick, Mamet, Kafka, Flaubert, y Hopper-todos los cuales son notables para su uso de la dimensión psico-espacial. Trabajo Hubbard / Birchler ‘s se ha mostrado en el Museo Whitney de Arte Americano en Altria, Nueva York, Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela, el Museo de Arte Contemporáneo de Berlín, Fundación para la Fotografía, Amsterdam, Centro de Fotografía, Salamanca, Bienal de Venecia (1999), y la Galería Nacional de Praga.
SIEBREN VERSTEEG
Biografía:
Instalaciones multimedia de Siebren Versteeg comprometerse críticamente con los sistemas utilizados para la difusión de las imágenes en nuestra cultura, así como con la tecnología utilizada para crearlas. Minería el mundo digital de los contenidos, que manipula los algoritmos que guían el flujo de información para crear obras de arte que la elección equilibrio y oportunidad. Siebren Versteeg nació en 1971 en New Haven, Connecticut. Ha realizado exposiciones individuales en el Museo de Arte Ulrich, Wichita, Kansas, el Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio, el Museo de Arte de la Rhode Island School of Design, Providence, el Instituto de Arte de Boston, Galería Bellwether, Nueva York; Ten en One Gallery, Nueva York; Rhona Hoffman Gallery, Chicago, y 1R Gallery, Chicago. Su trabajo ha sido exhibido en exposiciones colectivas en el Museo Hirshhorn, Washington, DC, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, el Museo Contemporáneo, Baltimore, Maryland, el Museo de Arte Krannert, Urbana-Champaign, Illinois, el Fabric Workshop and Museum, Filadelfia y el Museo Nacional de Arte de Praga, entre muchos otros. Versteeg fue galardonado con el Consejo de Artes de Illinois, Fellowship en 2005, la Escuela de Skowhegan de Pintura y Escultura de Becas al Mérito en 2004, y recibió la Beca de piedra de Estudios de Postgrado de la Universidad de Illinois, Chicago, donde recibió su maestría en 2004 . Vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.
MICHAEL SNOW
Biografía:
MICHAEL SNOW nació en Toronto, no hace tanto tiempo, y vive en la actualidad -, pero también ha vivido en Montreal, Chicoutimi y Nueva York. Él es un músico (piano y otros instrumentos) que ha actuado en solitario, así como con varios conjuntos (con mayor frecuencia con el CCMC de Toronto) en Canadá, EE.UU., Europa y Japón. Muchas grabaciones de su música han sido puestos en libertad. Sus películas se han presentado en festivales en Australia, Canadá, Francia, Alemania, Gran Bretaña, Italia, Japón, Países Bajos y EE.UU., y se encuentran en las colecciones de varios archivos, como Anthology Film Archives de Nueva York, la película belga Royal Archivos, Bruselas y el Museo del Cine Oesterreichesches, Viena. Su película “longitud de onda”, ganó el Gran Premio en el Festival Internacional de Cine Experimental en Bélgica en 1967. Otra película “Así es este” ganó el Premio de la Crítica de Los Angeles Film en 1982. Él es un pintor y escultor, aunque desde 1962, gran parte de su trabajo ha sido la galería de fotos basado en u holográfico. El trabajo en estos medios de comunicación está representado en colecciones públicas y privadas de todo el mundo, incluyendo, por ejemplo, la Galería Nacional de Canadá, la Galería de Arte de Ontario (Toronto), el Museum of Modern Art (Nueva York), el Museo Ludwig (Colonia y Viena ), el Centro Georges Pompidou (París), y tanto el Musée des Beaux-Arts y Musée d’Art Contemporain de Montreal. Ha realizado instalaciones de vídeo, cine y sonido y libros diseñados, los ejemplos de este último Micheal Nieve / A Survey (1970) y de principio a fin (1975). Retrospectivas de su pintura, escultura, photoworks y la holografía se han presentado en el Museo Hara (Tokio), de sus películas en el Cinémathèquie Française (París), Anthology Film Archives y L’Institut Lumière (Lyon) y de su trabajo en todos los medios simultáneamente en la Central y la Galería de Arte de Ontario en 1994. Exposiciones retrospectivas adicionales se han montado en la Galería de Arte de Vancouver y el Musée d’art contemporain (Montreal). exposiciones individuales y colectivas de sus obras de artes visuales se han presentado en museos y galerías en Amsterdam, Bonn, Boston, Bruselas, Kassel, Los Angeles, Lucerna, Lyons, Minneapolis, Montreux, Munich, Nueva York, Ottawa, París, Pittsburgh, Quebec City, Rotterdam, San Francisco, Toronto y otros lugares. Michael Snow ha ejecutado varios encargos de escultura pública, el bien conocido es parada más Vuelo en Eaton Center y el público en Skydome, tanto en Toronto. Ha recibido numerosos premios, incluyendo una beca Guggenheim (1975) y la Orden de Canadá (1982).
MAURICE BENYOUN
Biografía:
Maurice Benayoun (Mo Ben) es un artista multimedia nacido en 1957. Su trabajo explora la potencialidad de diversos medios de comunicación de vídeo a la realidad virtual, Internet inalámbrica y el arte, instalaciones de arte a gran escala en espacios públicos y exposiciones interactivas. El trabajo de Benayoun ha sido ampliamente expuesto en todo el mundo y ha recibido numerosos premios y reconocimientos internacionales. Co-fundador en 1987 de ZA (París) a CG pionero y laboratorio de realidad virtual, Maurice Benayoun, entre 1990 y 1993, escribe con François Schuiten y dirige las Quarxs , el primer HDTV serie CG ampliamente premiadas y transmitido en m ás de 15 países. En 1993 es galardonado de la Villa Medicis Hors Les Murs del Ministerio de Relaciones Exteriores por su Museo de Arte Después del proyecto, una colección de arte contemporáneo en la realidad virtual. Después de 1993, se crea VR e instalaciones de arte interactivo. Entre ellos, en 1995, el túnel bajo el Atlántico , proyecto televirtual que une el centro de Pom Pidou, en París, y el Museu m del arte contemporáneo, en Montreal. En 1998, fue galardonado con el Golden Nica, Prix Ars Electronica, categoría de Arte Interactivo de la piel Mundial, un safari fotográfico en la Tierra de Guerra. Ambas obras son consideradas por la crítica como grandes obras en el campo del arte interactivo. Junto a sus obras de arte, Maurice Benayoun ha participado en numerosas exposiciones de gran escala, eventos y proyectos de arquitectura. Sólo por mencionar algunos de ellos: la Sala de Navegación (1997) y la membrana (2001) para la Cité des Sciences de la Villette, los cuadros panorámicos para el Planet of Visions Pabellón de Hannover EXPO 2000 y la Información Multimedia de la abadía de Fontevraud. Maurice Benayoun concibió y dirigió la exposición Cosmopolis, sobrescribir la Ciudad , un arte gigante y la ciencia inmersiva instalación, presentado en el marco del Año de Francia en China. Desde 1984, Maurice Benayoun ha estado enseñando video y arte de los medios en la Universidad de París 1 (Panthéon-Sorbonne) y artista invitado en la Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de París. Es co-fundador y director artístico de la CITU federación de laboratorios (creación interactiva Transdisciplinaire Universitaire).
JANET CARDIFF
Biografía:
Janet Cardiff, artista (b en Bruselas, Ont 15 de marzo 1957). Janet Cardiff estudió en la UNIVERSIDAD DE LA REINA (BFA, 1980) y en la UNIVERSIDAD DE ALBERTA (MVA, 1983). Al igual que otros artistas de su generación, Janet Cardiff ha optado por trabajar en una variedad de medios, incluyendo el vídeo, la instalación y el sonido grabado. Desde 1995 ha ganado el reconocimiento internacional por su audio y vídeo “camina” en la que los visitantes, mientras se escucha a un dispositivo de escucha portátil o ver la pantalla de una cámara de vídeo, siguen sus instrucciones a través de un sitio elegido, y se convierten en “participantes” en sus historias . Para empezar una caminata de audio, se invita a los visitantes a tomar prestado un dispositivo de audio portátil en la recepción de la galería e ir a dar un paseo, guiado por la voz grabada de Cardiff por un camino predeterminado. Sus palabras habladas y susurró están intercalados con trozos de sonido ambiental o los efectos de sonido grabados en audio binaural. Esta técnica binaural da las grabaciones de sonido tridimensional y crea una incertidumbre relativa a dislocar lo que se grabó “ficción” y lo que es “la realidad”. El artista pide a los visitantes a caminar con ella, para que coincida con sus pasos con los de ella y para fusionar sus pensamientos con la suya. Sus imperativos (“gire a la derecha”, “bajar las escaleras”, “sígueme”) son necesarias y sentar las bases para una carrera activa que combina mapa y la memoria. El participante escucha a Cardiff reinventa un lugar cargado de fuerza mítica o simbólica. (Ella camina a menudo tendrá lugar en los jardines, en unas pocas cuadras de la ciudad, o en los museos.) Ella no sólo proporciona un mapa geográfico, sino un mapa de un terreno interno. Los participantes siguen sus pasos a través de varias superficies – más de cemento, hierba, un camino de piedra, un puente, un camino de astillas de madera, las escaleras, por una pendiente montañosa – llevándolos a través del sitio y de ayudarles a navegar por la historia. El sonido de estas superficies texturadas dramatizan la interrelación entre el ser interior y exterior y también hacen las acciones físicas y mentales aparentes. Hay una sensación de asombro y conmoción cuando los eventos y escenas descritas en la grabación casualidad suceden en el mundo físico real, como sucede con frecuencia. Cardiff de paseos generalmente círculo en torno a los mismos temas – recuerdos, el desplazamiento y el deseo. Pensamientos desconectados, sonidos, conversaciones y los acontecimientos se encadenan juntos en una secuencia que indica el suspenso y el misterio. Cardiff, en efecto, crea espacios virtuales anclados en la realidad. Ella lleva a sus participantes a la encrucijada de la ficción y la realidad, lo real y lo virtual, lo recordaba, y los recién experimentados – un lugar donde sus palabras, sonidos e imágenes visuales se dan cita en la intensidad hipnótica y emocional. Cardiff a menudo trabaja en colaboración con su marido, George Bures Miller. Ellos representaron a Canadá en la 49 ª Bienal de Venecia con “El Instituto Paradise” (2001), una sala de cine de 16 asientos donde los espectadores vieron una película de misterio y se enredaron como testigos de un posible delito jugado en el público y en la pantalla. “El Instituto Paradise” fue un gran éxito y los artistas ganó La di Premio Especial Bienal de Venecia en Venecia, que se presentó a los artistas canadienses por primera vez. La pareja también ganó el premio Benesse, un galardón que reconoce a un artista o grupo, que trata de abrir nuevos caminos artísticos con un espíritu experimental y de vanguardia. “Motete Parte Cuarenta” de Cardiff ganó la Galería Nacional de Premio Millennium de Canadá en 2001. Esta instalación se ha realizado una adaptación de la música coral “Spem en Alium” renacimiento del Inglés compositor Thomas Tallis (1514 – 1585) en la que Cardiff registró 40 voces distintas del festival de coros Salisbury y los reproduce a través de 40 altavoces colocados estratégicamente en todo el espacio . El artista puso la galería de visitantes en el centro de una de las más complejas piezas de polifonía coral jamás compuestas. Ella creó una pieza que permitirá a los participantes “a subir dentro de la música” y conectar con las voces dispares. Como galería de los asistentes caminaron alrededor de la habitación que podían escuchar a cada una de las voces, a su vez, o todos ellos juntos desde el centro de la habitación. Janet Cardiff y George Bures Miller actualmente viven y trabajan en Berlín, Alemania. Ellos han tenido recientemente exposiciones en la GALERÍA DE ARTE DE ALBERTA (2010), Hamburger Bahnhof, Berlín, Alemania (2009), La Galería Fruitmarket, Edimburgo (2008), el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (2007), el Museo Louisiana de Moderne Kunst, Humlebæk, Dinamarca y el Cobra Museo voor Moderne Kunst, Amstelveen, Países Bajos (2006), el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas, Washington y VANCOUVER ART GALLERY (2005), Luhring Agustín, Nueva York (2004), el contemporáneo Arts Center, Cincinnati (2003), la GALERÍA DE ARTE DE ONTARIO, y la GALERÍA NACIONAL DE CANADÁ (2002) y Galerías de Oakville, Oakville, Ontario (2000). Una retrospectiva de mitad de carrera, Janet Cardiff: un estudio de las Obras, incluyendo colaboraciones con George Bures Miller , abierta en PS 1 Contemporary Art Center, Long Island City, Queens, en 2001 y ha viajado a Montreal, Oslo, y Turín.
ROSA BARBA
Biografía:
Ha realizado exposiciones individuales en instituciones como Jeu de Paume, París; Kunsthaus Zürich, Marfa Book Company, Texas, EE.UU.; Fondazione Galleria Civica -Centro de Investigación de Arte Contemporáneo de Trento; MART Museo, Rovereto, Kunstverein Braunschweig, Tate Modern, Galería de Nivel 2, Centre d’art de l’ile de Vassivière, Francia,. y el Centro de Arte Contemporáneo, Tel Aviv, ha participado en exposiciones colectivas en instituciones como el Museo MAXXI, Roma, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid y el Instituto Suizo, Nueva York, así como numerosas exposiciones bienales como la Bienal de Liverpool 2010 , la 52 ª y 53 ª Bienal de Venecia , el segundo Salónica Bienal de Arte Contemporáneo , y la Bienal de las imágenes en movimiento, Ginebra.
MASAKI FUJIHATA
Biografía:
Masaki Fujihata es uno de los pioneros del arte japonés de los nuevos medios, que comenzó su carrera trabajando en el vídeo y la imagen digital en los años 80. Como practicante temprana de la aplicación de nuevas tecnologías a los procesos de creación artística, que fue uno de los primeros artistas en utilizar la estereolitografía, una técnica en la cual un láser polimeriza una resina líquida, ya que barre la superficie. También creó los mundos esculturas más pequeñas mediante el uso de las técnicas de fabricación de circuitos integrados (en los 10m y 100m, estos trabajos sólo son visibles con un microscopio electrónico). Sin embargo, es más conocido por sus sofisticadas instalaciones de redes interactivas y su principal preocupación ha sido la de emplear la tecnología multimedia con el fin de examinar las posibilidades de la comunicación dentro de los espacios virtuales. Sus obras interactivas incluyen Reality extraíble (1992), que utiliza un teléfono inalámbrico por infrarrojos y Velocity Impresionar (1994), en el que se utiliza un ordenador portátil equipado con GPS a digital mapa Monte Fuji, poniéndola a disposición de los espectadores a explorar interactivamente. Él cree que “la realidad no entra en conflicto con la virtualidad: es el complementario aspecto de un espacio similar de la vida. ” Fujihata ha realizado numerosas exposiciones en todo Japón y va a participar en la próxima Trienal de Yokohama. A nivel internacional, se ha exhibido en el 1983, 1984, 1996 y 2000 conferencias Siggraph (EE.UU.), Ars Electronica (Linz), Sordo (Rotterdam), “foro cibernético” (Lisboa), VEAF (Vancouver) y su obra forma parte de la colección permanente del ZKM (Karlsruhe).
ULRICH FISCHER
Biografía:
Por los años 90, entonces un estudiante de la sociología y la etnografía en Basilea, Ulrich Fischer comenzó su relación con el mundo de las imágenes a través de la fotografía de película. En el proceso, él comenzó a hacer cortometrajes y videos experimentales en formatos de vídeo de luz (“Hoy, mi coche ha muerto”, la ficción 7 min), así como de plata (“Es geht auch schneller” experimental animación 16 mm). También está involucrado en una serie de colaboraciones con los directores de diferentes orígenes, que le permiten captar todas las ocupaciones relacionadas con la ubicación: maquinaria, cámara, post-producción, proyección de películas … Trabaja desde hace más de 10 años dentro del grupo de Sputnik cine . En 1996, se convirtió en un miembro activo de Producciones de perforación , un colectivo de artistas y técnicos que deseen obtener la independencia y la libertad en la producción de sus espectáculos y películas. La aventura continúa ahora bajo el nombre de C-Side Producciones SA. A finales de los años 90, trabajó más y más con los medios interactivos y los llamados “nuevos” – diseñó un dispositivo que tiene una película de 16 mm original, “En el viaje en tren (mirar las fotos”), proyectado prueba triple de un tren en movimiento. También hizo varias actuaciones que combinan imagen de la música (Elephanten, partículas …) o una serie de instalaciones ” Passages “, presentado en varias ciudades europeas. En 2000, ganó el 1er premio de la Escuela de Graduados de Artes Visuales de Ginebra mediante la realización de ” La Ciudad de S. “, un 15mn ficción comprada por ARTE (franco-alemana TV) y distribuido más de 10 veces la cadena. Muchas de sus películas se muestran en los festivales de Solothurn, Utrecht (Impakt), Nyon (Visions of Reality), Locarno (Leopardos del Mañana), Viper, Lodz, Premiers Plans d’Angers, Festival de Cine de París, Arte Digital Osnabrück , Kurzfilmfestival Oberhausen, Backup Weimar, Bucarest, Clapstick Calcuta Invex Tokio, y varios teatros en Suiza y en el extranjero. Entre 2000 y 2002, participó en el jurado de selección del festival Viper competencia internacional en Basilea, donde se convirtió en el coordinador en 2002. Desde la década de 2000, imparte cursos y talleres relacionados con la técnica (edición no lineal, post-producción), seguida de las disertaciones de la ECAL como un actor externo y ocasionalmente interviene en los consejos escolares . Fue miembro de la Comisión de Migros promoción de cine entre 2003 y 2008. Su actividad como productor le llevó a participar en la elaboración de documentales, como “Nuestras Raíces de Paz” Ania Temler “, Nicolas Bouvier, 22 de la calle del Hospital “Christoph Kühn y” Las Letras de imagen “de Michel Favre. Entre 2007 y 2009 estuvo a cargo de la investigación en los maestros del cine – el proyecto CAMINAR LA EDIT comienza en enero de 2008, los primeros resultados se presentaron a mediados de 2009. Ahora, el proyecto continúa como un proyecto artístico en sí mismo, vea el sitio web dedicado al proyecto.
EDRIC STANLEY
Biografía:
Nacido y criado en Silicon Valley, Douglas Edric Stanley ha emigrado ya a Francia, donde ha estado trabajando durante los últimos diez años como artista, teórico e investigador en París, Ginebra y Aix-en-Provence. En la actualidad es Profesor de Artes Digitales en la Escuela Aix-en-Provence de Arte donde enseña programación, interactividad, redes y robótica, y se corre el Atelier hipermedia, un taller dedicado a la exploración de algoritmos y código como material artístico. También es profesor invitado en la Media Design Master en la Universidad de Ginebra, de Arte y Diseño (Director de Operaciones), donde enseña diseño algorítmico. Ha impartido varios talleres sobre la producción artística basada en código y ha participado en varias exposiciones internacionales y festivales dedicados al arte digital: InterCommunication Center, Tokyo; ZeroOne/ISEA2006, San José; Numérique Villette, París, Festival Ars Electronica, Linz; Festival Arborescence, Aix-en-Provence, Festival Nemo, Paris, Centro Pompidou, París; EnterMultimediale, Praga. Su fuerza de retroalimentación interactiva instalación, Asymptote, producido por el Centro InterCommunication 1999 por su interacción Bienal, ganó una mención honorífica en el Prix Ars Electronica 2000. Ha sido galardonado con varios de investigación y becas artísticas para la creación de prototipos interactivos y obras de arte. Como investigador en el laboratorio loeil en Aix-en-Provence que asiste a muchos artistas jóvenes en la producción de instalaciones interactivas, generativa y robótica. Actualmente es estudiante de doctorado del Laboratoire des nouveaux médias esthétique en la Universidad de Paris 8, donde explora la evolución de la creación artística en relación con la algorithmisation del mundo.
LUC COURSCHESNE
Biografía:
Luc Courchesne participó en la aparición de los medios de comunicación las artes hace veinticinco años, cuando, como un artista de vídeo inspirado en una generación de cineastas experimentales como Michael Snow y Hollis Frampton, descubrió las tecnologías informáticas. En primer lugar profundizar en el retrato interactivo – una gran tradición artística re-articulado en un nuevo molde – su trabajo se ha dirigido recientemente a otro género importante, el del paisaje. Con sus instalaciones, imágenes “panoscopic”, y un dispositivo de su propia fabricación utilizado para crear una sensación de inmersión visual, que transforma al espectador en una visita que él conduce, como Alicia, a través del espejo. Luc Courchesne nació en 1952 en St-Léonard d’Aston, Québec. Obtuvo una licenciatura de la universidad de Nueva Escocia de Arte y Diseño, Halifax (1974), y una Maestría en Ciencias en Estudios Visuales del Instituto de Tecnología de Massachusetts, Cambridge (1984). Courchesne comenzó sus exploraciones en video interactivo en 1984, cuando fue co-autor de películas elásticas, uno de los primeros experimentos en el campo. Desde entonces ha producido cerca de 30 obras de instalación y series de imagen, incluyendo: Enciclopedia Claroscuro (1987), Retrato One (1990), retrato de la familia (1993), Hall of Shadows (1996), Paisaje One (1997), Pasajes (1998), Rendez -vous … (1999), Panoscopic Journal (1999 -), Panoscope 360 ° (2000), The Visitor: Salón de Numbers (2001), Sin título (2004) y ¿Dónde estás?(2005). Su obra forma parte de importantes colecciones en América del Norte, Europa y Asia y se ha demostrado ampliamente en galerías y museos de todo el mundo, incluyendo: Galería de Arte de Sydney de Nuevo Gales del Sur, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Centro InterCommunication de Tokio (ICC), París La Villette, del ZKM Karlsruhe / Medienmuseum, Musée d’Art Contemporain de Montreal, la Galería Nacional de Canadá, la Fundación La Caixa, Barcelona. Egresado de la universidad de Nueva Escocia de Arte y Diseño (1974) y del Massachusetts Institute of Technology (1984), Courchesne es hoy Director de la Universidad de Montreal Escuela de Diseño Industrial, miembro de la junta directiva del Conseil des Arts et lettres du Québec y las cifras amoung los fundadores de la Sociedad de Arte y Tecnología.
MELIK OHANIAN
Biografía:
Melik Ohanian, nació en Francia en 1969. Vive y trabaja entre París y Nueva York, EE.UU.. Estudió en la Ecole des Beaux-Arts de Montpellier y de la Ecole Nationale des Beaux-Arts de Lyon en Francia. Obras de arte de Ohanian pueden ser entendidas como territorios físicos y conceptuales que se centran en el concepto de tiempo. Sobre la base de la investigación y las metodologías científicas y filosóficas, se ha desarrollado un cuerpo de trabajo que utiliza una amplia gama de medios. Sus instalaciones examinan el modo operativo de la exposición y se mueven más allá de los límites convencionales que definen imágenes espacial y temporalmente. El artista sitúa al espectador en un papel exploratorio y pone de relieve la complejidad de los intervalos temporales que rigen nuestra relación con el mundo. El trabajo de Ohanian ha demostrado en exposiciones individuales como, Exils, Museo Nacional Pablo Picasso, Chapelle Vallauris, Francia (2012), las comunidades periféricas, Londres, Rich Mix, Reino Unido (2011), la mesa de luz Melik Ohanian, Cafetería Centro Pompidou, París (2010 ), de la voz a la mano, en el medio, el Centro Musical Fleury Goutte d’Or – Barbara, París (2009), siete minutos antes, South London Gallery, Reino Unido (2006). El trabajo de la artista también ha sido incluido en exposiciones colectivas como, J’ai Deux Amours, Cité Nationale de l’Histoire de l’Immigration, París (2011), la persistencia de Vision II, Nikolaj Arte Contemporáneo, Copenhague, Dinamarca (2010) , América, Beirut Art Center, Líbano (2009), Zona intersticial, Argos, Bruselas, Bélgica (2008), y reproducción, Musée d’Art Moderne, París (2007). Sus próximos POLYLOGUES monografía serán publicados por Sternberg Press, Berlín, Alemania.
CHRISTIAN MARCLAY
Biografía:
Christian Marclay es un Londres y Nueva artista visual basado York y compositor cuyo trabajo innovador explora la yuxtaposición entre la grabación de sonido, fotografía, video y cine. Nacido en California en 1955 y creció en Ginebra, Suiza. Su madre era estadounidense por lo que mantuvo una doble nacionalidad. Estudió en la Escuela Superior de Arte Visual from 1977-1980, en Ginebra, Suiza. A partir de 1977-1980 él estudió escultura en el Massachusetts College of Art de Boston. También estudió como becario visitante en la Cooper Union de Nueva York en 1978. Como intérprete y artista sonoro Christian Marclay ha estado experimentando, componiendo y tocando con los vinilos y tocadiscos desde 1979 para crear su “teatro de sonido encontrado” única influencia de Marcel Duchamp. Christian Marclay ofrece una voz única, fresca e innovadora que ha inspirado a toda una generación de músicos, artistas y teóricos. Marclay ha colaborado con músicos como John Zorn, Elliott Sharp, Fred Frith, Zeena Parkins, Shelley Hirsh, Christian Wolff, Butch Morris, Otomo Yoshihide, Arto Lindsay y Sonic Youth, entre muchos otros. Un DJ dadaísta y cineasta, sus instalaciones y de vídeos /películas collages muestran paisajes provocativa musicales y visuales y se han incluido en exposiciones en el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, Bienal de Venecia, el Centro Pompidou de París, Kunsthaus Zurich, Museo de Arte Moderno de San Francisco Art. Christian Marclay ha dicho que el primer no-rap DJ para hacer una forma de arte de la mesa giratoria, el tratamiento del instrumento como un medio para extraer canciones aparte, no superar juntos. Marclay comenzó su exploración musical que mezcla el sonido y el arte con la capacidad utilizando tornamesas en 1979 como estudiante. Registros reciclado (1980-1986), fue una de sus primeras cositas gratis. El trabajo tomó fragmentado y vuelto a montar discos que se convirtieron en objetos que se podía jugar, el tono de distorsión y sonido. Mezclar Body (1991-1992), es una serie que produjo que tejió portadas de discos, creando critques posmodernos de la música y la cultura visual. Un ejemplo es Deutsche conductores Grammaphon con las piernas de Tina Turner infames, trayendo a la luz surrealista ‘Cadáveres exquisitos’. Un hilo fundamental en la obra de Christian Marclay es esta transformación de los objetos musicales en comentario visual sobre la cultura.
TOBIAS PUTRIH
Biografía:
Con raíces en los ideales de la alta modernidad, estructuras complejas de Putrih evocan nociones de lo sublime, pero les infunden un humor suave. Sobre la base de su formación interdisciplinaria, Putrih saca de una serie de ámbitos-desde la arquitectura y la ingeniería estructural de la teoría social. Tobias Putrih nació en 1972 en Kranj, Eslovenia. Su trabajo se recoge por muchas instituciones internacionales líderes, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Musée d ‘Art Moderne Grand-Duc Jean, Luxemburgo, el Museo Boijmans Van Beuningen, Rotterdam; Moderna Galerija de Ljubljana, Eslovenia, y la Galería de Arte de Queensland , Australia. En 2007 Putrih representó su país en la Bienal de Venecia. El mismo año, el Museo de Arte Neuberger montado una exposición retrospectiva que abarca la primera década de su trabajo. Otras exposiciones importantes son edificios Psycho en la Galería Hayward, Greater New York en PS1, la Galleria Civica de Módena (una colaboración con el artista bangladeshí Runa Islam), y Manifesta 2002. Proyectos recientes incluyen instalaciones arquitectónicas diseñadas para el Centro Pompidou y el 2010 Bienal de São Paulo, así como la exposición colectiva Un’Espressione Geografica comisariada por Francesco Bonami en Fondazione Sandretto Re Rebaudengo en Turín, Italia. Sus próximos proyectos incluyen una comisión de arquitectura para un centro comunitario en Aroyo, Uganda, que se ejecutará en colaboración con MOS Architects, Buro Happold y Wakadogo Shelter.
TOM TYKWER
Biografía:
Tom Tykwer, (nacido en Mayo 23 de 1965) es un director de cine alemán, guionista, compositor y productor. Nacido en Wuppertal (Alemania), se trasladó a Berlín en la década de 1980 y trabajó como proyeccionista y Booker en varios cines de arte y ensayo independientes. Tom Tykwer es co-fundador y socio de la base productora de cine X Filme creativo piscina GmbH de Berlín (1994). Su filmografía como director incluye “Deadly Maria” (1993), “Winter Sleepers” (1997), “Run Lola Run” (1998), “La princesa y el guerrero” (2000), “El cielo” (2002), “Perfume – La historia de un asesino “(2006),” la Internacional “(2009),” Tres “(2010) y” Cloud Atlas “(2012). En 2008 co-fundó la organización sin fines de lucro Una eV Fine Day que promueve y apoya la educación artística en los guetos de Nairobi (Kenya). Asociado a este proyecto se desarrolló un Día películas finas, una compañía de producción de cine alternativo que se centra en la enseñanza y la producción en la zona del África Oriental y presenta a jóvenes talentos africanos en el proceso de hacer cine. El proyecto piloto de la Fundación “Soul Boy” (2010) se estrenó en Göteborg International Film Festival en enero de 2010. El trabajo de Tom Tykwer como productor incluyen GIGANTE (1999, director Sebastian Schipper), inaudible (2004, director Mennan Yapo), un amigo mío (2006, director Sebastian Schipper) y el corazón es un bosque oscuro (2007, director Nicolette Krebitz).
TACITA DEAN
Biografía:
Nacida en Canterbury, Inglaterra, en 1965, con sede en Berlín artista Tacita Dean es una dibujante, fotógrafo y cineasta Inglesa. Aunque se formó como pintor en su obra temprana mostró una predilección por los formatos expresivos más a menudo se encuentran en el cine. Su práctica de dibujo tomó la forma de storyboards, un formato narrativo utilizado en la planificación de las películas. Su gusto por la narración provocó muchas de sus obras, a menudo sobre la base de las posibilidades planteadas por el encuentro casual. Dean dio la misma importancia a las narrativas de ficción e históricas, destacando su poder de evocación: las nociones de tiempo, la memoria o elementos náuticos son parte de sus temas personales. Obras de Dean juegan poéticamente sobre el tema de búsqueda, así como de las identidades borrosas de las personas o las cosas misteriosas. Historias de Dean abrazaron la idea de la lucha sobre los elementos que explican la recurrencia del mar como protagonista importante en su trabajo. Narrativas mínimas de Dean están imbuidos de un sentido de fracaso humano e interminable espera como resultado de las acciones que son curiosamente tanto heroico y modesto. Algunas de las últimas obras de Dean son una reminiscencia de la obra de Bernd y Hilla Becher en su enfoque en lugares abandonados dotados de la historia de gran alcance, como en espejos de Sonido (60 mm film negro y blanco, 1999,. Londres, Frith St. Gal) . Los edificios pintorescos y obsoletos son los restos de algunas estructuras de aviso de ataque aéreo prototipo construido en 1920, acompañando a las imágenes con sonido ambiental registrado en 1999, que duplica el acto de la conservación de los edificios, ya salvado de la destrucción en 1988. Fue nominado para el Premio Turner 1998.
RUNA ISLAM
Biografía:
El trabajo de Runa Islam desafía y explora las estructuras, la materialidad y la historia de la representación y la visualidad, a menudo en relación con las preocupaciones cinematográficas y arquitectónico. La adopción de diversos métodos y enfoques en la presentación de su trabajo, altera, modifica y mejora el espacio visual y arquitectónico, cambiando la percepción y llamar la atención sobre el acto de ver. En su práctica reciente, el artista utiliza un lenguaje cada vez más minimalista y volver fílmica de profundizar cada vez más en las cuestiones de la visualidad, la percepción y el papel de las tecnologías de lentes basadas en la mediación de la forma en que vemos y entendemos el mundo. Las secuencias de imágenes casi abstractas sugieren los aspectos materiales de la película, el brillo del celuloide o de los granos de los cristales de haluro de plata. Su sintaxis visual es a menudo tan difícil que la imagen es todo, pero negó. Lo que sale a la palestra es el acto de mirar a sí mismo. En conciencia mágica (2010), por ejemplo, la parte de atrás de un biombo japonés sirve como una alegoría de “la gran pantalla”, mientras que esto es muy incierto (2009-2010) se refiere al grano de acción de la película a la arena volcánica brillante encontrado en la isla italiana de Stromboli. El trabajo reciente de Islam, Emergence (2011), es una película de 35 mm de una impresión fotográfica en trámite en un cuarto oscuro. Reducida a una paleta monocromática marcado de negro y rojo, que considera la relación aunque estrechamente vinculada contradictoria entre la fija y la imagen en movimiento. Runa Islam nació en 1970 en Dhaka, Bangladesh. Vive y trabaja en Londres, Reino Unido. Exposiciones individuales incluyen perros devorando Caballos / movimiento, Arter, Estambul (2012), Proyectos 95: Runa Islam MOMA, Nueva York (2011), Runa Islam, Site Santa Fe, Santa Fe, Nuevo México (2011), Runa Islam, Musée d’Art Contemporain de Montreal (2010) y el Museo de Arte Contemporáneo de Sydney (2010) The Restless Asunto, Kunsthaus de Zúrich y Museo Folkwang, Essen (2008), Empty The Pond sacar el pescado, MUMOK, Viena (2008) UCLA Hammer Museum, Los Angeles (2005), Dunkers Kulturhus, Helsingborg (2005), Camden Arts Centre, Londres (2005), Centre d’Art Santa Mónica, Barcelona (2005) y el MIT List Visual Arts Centre, Cambridge, Massachussetts (2003). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, incluido el sexto Asia Pacific Trienal, Museo de Arte de Queensland, Brisbane (2009), El efecto del cine, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington (2008), el Premio Turner, Tate Bretaña (2008), Brave New Worlds, Walker Art Center, Minneapolis (2007), la 51 ª Bienal Internacional de Venecia (2005), más que esto! Realidades Negociación, Göterborg Bienal Internacional de Arte Contemporáneo (2005) y la octava Bienal Internacional de Estambul (2003).
YANG FUDONG
Biografía:
Yang Fudong (nacido en 1971 en Pekín, vive y trabaja en Shanghai) es una de las figuras más importantes del arte contemporáneo chino y el cine independiente. Para su primera encuesta de mitad de carrera, BAM /PFA presenta veinte años de las películas, vídeos multicanal y fotografías que reflejan los ideales e inquietudes de la generación de Yang, una generación nacida durante y después de la Revolución Cultural que está luchando por encontrar su lugar en el rápido cambio de la sociedad de la nueva china. Yang ha comisariado un ciclo de cine especial en relación con la exposición que pone de relieve su compromiso continuo con la estética del cine negro. Películas de Yang e instalaciones de cine tienen una calidad atemporal y maravilloso, marcado por largos y suspendidos secuencias narrativas, que dividen y múltiples relaciones e historias. Muchas de sus imágenes recuerdan los literatos pinturas de la China del siglo XVII, hechos por artistas e intelectuales que, frente a la represión política, persiguen la libertad espiritual por vivir en reclusión. Tímidamente evocando los literatos, Yang llama a sus protagonistas “intelectuales”, sino que se enfrentan de manera similar con la elección de participar o abstenerse de los asuntos mundanos. En su serie de fotografías, por ejemplo, Yang trae la actitud de los literatos impasible, vaciados de cualquier sugerencia de la agencia o de la inmediatez de la experiencia, a los contextos consumistas de la China urbana contemporánea: la habitación del hotel de lujo o en el restaurante, la piscina, el burdel. En otras obras Yang se centra más bien en la China rural, en el sentido de aislamiento y pérdida como pueblos tradicionales se disuelven y las comunidades dispersas. En sus instalaciones recientes, Yang se refleja en el proceso de hacer cine, creando películas multicanal espacialmente abiertas que él llama una forma contemporánea de la voluta china de la mano. Estas noticias funciona impulsar aún más su teoría de que “todo lo que se ha filmado puede mostrarse.”
FIONA TAN
Biografía:
b. 1966, Pekan Baru, Indonesia Fiona Tan trabaja en el territorio en disputa de la representación: ¿cómo nos representamos a nosotros mismos y de los mecanismos que determinan la forma en que interpretamos la representación de otros. Fotografía y cine -hecha por ella misma, por los demás, o una combinación de ambos – son sus medios, la investigación, la clasificación y el archivo, sus estrategias. Su hábilmente a mano, el movimiento y obras intensamente humano, Cine expandido y videoinstalaciones, explorar la historia y el tiempo y nuestro lugar dentro de ellos. El trabajo de Fiona Tan explora la memoria, el tiempo y la historia. Al principio ella se hizo conocido por un cuerpo de trabajo que se basó en el uso de películas de archivo, cuestionando el observador y lo observado, y desafiando las suposiciones del pasado colonial. Obras recientes se centran en cómo la memoria está conectada a las imágenes en nuestra mente y en lo inexacto y sin embargo puede ser memoria creativa.
MATTHEW BUCKINGHAM
Biografía:
Nació en Nevada, Iowa en 1963. Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Estudió en el Art Institute de Chicago (1984) y se graduó en la Universidad de Iowa (1988), realizó un Máster en Bellas Artes en el Bard College, Annandale–On–Hudson, Nueva York (1996) y asistió al Programa de Estudios Independientes del Whitney Museum, Nueva York (1997). En los últimos años ha realizado muestras individuales y colectivas en diversos museos y galerías de Estados Unidos y Europa: ARC / Musée d’art moderne de la Ville de Paris, París (1998); Museum Moderner Kunst, Viena (2003); The Whitney Museum of American Art, Nueva York (2003); Whitechapel, Londres (2004); Camden Arts Centre, Londres (2007); Hamburger Bahnhof National Gallery, Berlín (2007) y Museum of Contemporary Art, Chicago (2008). En 2003 recibió una beca del DAAD Artist en Berlín.
ISAAC JULIEN
Biografía:
Isaac Julien ha forjado un diálogo crítico sobre cuestiones de raza y sexualidad a través de su trabajo en cine, video instalación y la fotografía. Julien, que tiene su sede en Londres, primero ganó la atención internacional en la década de 1980 por sus películas provocativas, documentales y obras de vídeo experimental, que exploran las identidades negras y lesbianas. Sus más recientes trabajos de instalación multimedia ampliar esta investigación sobre meditaciones poéticas pero políticamente cargadas en las representaciones de raza y sexualidad. Isaac Julien nació en 1960 en Londres. Se graduó de la Escuela de Arte de San Martín en 1984, donde estudió pintura y el cine de arte. Fundó la película Sankofa y Vídeo colectiva, y fue miembro fundador de las películas normales en 1999. Recibió el Premio Semana de la Crítica en el Festival de Cine de Cannes, y ha recibido una Beca Rockefeller de Humanidades, el Premio Canadá Grand Pratt and Whitney, un premio de la Fundación Andy Warhol, el Premio del Gran Jurado, KunstFilmBiennale, Colonia, Alemania, y la Fundación Ford Award. Ha expuesto en el National d’Art Moderne Museo, el Centro Georges Pompidou de París, el Museo Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Arte Pace, San Antonio, Texas; HECHO, Cine de Arte y Tecnología Creativa, Liverpool, Inglaterra, el Museo de Arte Contemporáneo, Chicago, y el Studio Museum de Harlem, Nueva York. Sus instalaciones de cine y fotografías han sido expuestas en el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, Tate Liverpool, Inglaterra, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, el Centro de Arte Contemporáneo PS1, Nueva York, el Museo Irlandés de Arte Moderno y Museo de Helsinki Arte Contemporáneo. Sus trabajos se han exhibido en la Bienal de Dakar, Senegal; Jeonju International Film Festival, Corea, Festival de Cine de Rotterdam, Países Bajos, Moderna Museet, Estocolmo y Tate Britain, Londres, entre otros.
LUKE FOWLER
Biografía:
Una figura prominente en la escena del arte contemporáneo de Glasgow, el trabajo de Luke Fowler explora los límites y convenciones de hacer cine biográfico y documentales. Esto ha dado lugar a comparaciones con el Free Cinema británico de la década de 1950, lo que representa una nueva actitud hacia la realización de películas que abrazó la realidad de la sociedad británica cotidiana y contemporánea. Al adoptar el papel de artista, curador, historiador, cineasta y músico, Fowler crea retratos impresionistas de cifras interesantes. Como montajes de imágenes de archivo junto con nuevas grabaciones, entrevistas, fotografía y sonido, las películas de Fowler ofrecen una visión única y convincente en su tema. Fowler nació en Glasgow y estudió en Duncan de Jordanstone College of Art, Dundee, 1996-2000. Está representado por The Modern Institute, Glasgow y ha sido nominado para el Premio Turner 2012.
BEN RIVERS
Biografía:
Las películas de Ben Rivers (nacido Somerset, 1972, vive en Londres) son ricos, retratos cinematográficos que exploran ambientes silvestres y mundos autónomos, lo que representa la memoria a través de fragmentos visuales. Disparó sobre todo en películas en blanco y negro de 16 mm, a veces en la acción fuera de la fecha, el trabajo de Rivers tiene la apariencia de envejecimiento, material de archivo. Los brotes artista en una vieja cámara Bolex de cuerda y trabaja creativamente dentro de sus limitaciones – incluyendo contraints de duración, ya que es el disparo continuo más largo es de 30 segundos. El aspecto envejecido de la película es también en parte una consecuencia de los Ríos mano de procesamiento de cada película en su fregadero de la cocina. Él compara la creación de sus películas para armar un collage, ya pesar de que pone gran énfasis en el proceso de edición, que es, de hecho, muy involucrado en todas las etapas de la creación de sus películas “, a través de sus papeles como camarógrafo, desarrollador, editor y director. La calidad alejado de los Ríos obra – aunque sea una construcción de conocimiento -se extiende a los espacios y temas que las películas se centran en. Si la exposición desolada y en ruinas interiores en obras como caserón de las sombras (2003) y su secuela Casa (2005), o retratar el mundo hermético de la ‘outsider’ figura Jake Williams en la muy aclamada Esta es mi tierra (2006), Ríos ‘ trabajo se dedica a las zonas de los bordes de la vida contemporánea. Otros trabajos, como Ah Libertad! (2008), que representa a una comunidad que habita un paisaje rural y al parecer sublime, parecen existir fuera de la vida moderna por completo, lo que significa menos alejamiento de la corriente principal de la liberación de la misma. A pesar de que representan temas de la vida real, las películas de Rivers no son principalmente documental o etnográfico en estilo, a pesar de la elaboración en gran medida de estos géneros. Más bien, su trabajo es personal y fragmentado, con reminiscencias de los estilos idiosincrásicos de Scottish cineasta y poeta Margaret Tait y director estadounidense George Kuchar. Otras influencias – quizás menos evidente en las imágenes de Rivers que en su banda sonora – son tan amplias como el thriller, el cine negro y el horror.
PHILLIP BARKER
Biografía:
es reconocido internacionalmente como un cineasta, artista y diseñador para cine y teatro. Sus actuaciones al aire libre “de cine” han jugado en muchas ciudades y eventos como Arco Feria Internacional de Arte en Madrid, Nuit Blanche en Toronto, y la Expo 92 en Sevilla, España. Phillip ha sido el diseñador de producción de más de 7 películas de Atom Egoyan, incluyendo The Sweet Hereafter. Barker ha recibido tres nominaciones al Premio Genie al Mejor Diseño de Producción de largometrajes, y ganó un Premio del Gremio de Directores de Canadá para Diseño de Producción de Egoyan Where The Truth Lies. Phillip ha sido el diseñador de producción de directores tan diversos como Brian de Palma, Mira Nair, Neil LaBute y el artista Michael Snow. Phillip Barker ha escrito y dirigido muchos de sus propios cortometrajes que han recibido numerosos premios, incluyendo una nominación al Genie al Mejor Cortometraje Dramático, Mejor Cortometraje Festival de Cine Canadiense Atlantic Film y Mejor Película Experimental en el Festival Internacional de Cine de Melbourne. Como recientemente galardonado con una beca Artes Chalmers, Phillip está actualmente investigando y escribiendo un largometraje experimental.
IRIT BATSRY
Biografía:
Nacido en Israel en 1957, Irit Batsry ha vivido y trabajado en Nueva York desde 1983. Licenció en Bellas Artes de la Academia de arte de Bezalel en Jerusalén en 1983 y, una vez instalados en la ciudad de Nueva York, se convirtió en instructor y editor on-line de Artes de cine y vídeo. Ella ha tenido una extensa carrera de arte video y medios de comunicación y es famosa por sus videos experimentales a principios de los ochenta. Su única y multicanal videos e instalaciones han demostrado en museos y galerías de todo el mundo, incluyendo el Instituto de arte contemporáneo (Londres, Inglaterra), la National Gallery (Washington, Estados Unidos), el Museo Reina Sofía (Madrid, España) y el Witte de With (Rotterdam, Países Bajos). Irit Batsry explota el medio del video con fines tanto políticas y estéticas. Una serie considerable de trabajo se reunió metafóricamente en pasaje a la utopía (1985-1993). Esta trilogía comprende tres videos de diferentes períodos de la carrera de Batsry que todo trato con hegemónicas y las historias individuales y la forma imágenes y sonidos pueden traducir estas historias. Por ejemplo, dejando la vieja ruina (1986-89)-la segunda pieza, el contexto temático de la que posteriormente se convirtió en un componente de la instalación dejando la vieja ruina: vista contaminado (1989) – se centra en el paisaje y la historia. A través de procesamiento de imágenes analógicas y digitales, Batsry ha creado una colección de imágenes desplazadas, identificar imágenes y paisajes efímeros que reflejan las dificultades en conciliar la memoria individual y colectivaBatsry ahora está trabajando en un proyecto inspirado en la Biosfera de Montreal y la visión de su arquitecto, R. Buckminster Fuller. Ella está desarrollando una instalación site-specific, de video y medios mixtos, situada en la biosfera misma que explorará la creación de Fuller de la cúpula geodésica, sus posibilidades estéticas y otras nociones de percepción que ha tocado en su video de Un Simple caso de visión (1991). Batsry dependerá de la arquitectura de este espectacular espacio para crear una instalación que ahondará en la interactividad tecnológica de una manera innovadora.
UTE JURSS
Biografía:
Ute Friederike Jürß, nacido en 1962 en Wiesbaden. De 1985 a 1990 estudió en, a continuación, se graduó de la Akademie für Künste Bildende, Munich. En 1991, visitando escenógrafo en el Staatstheater Darmstadt. En 1992/93, cátedra en la Staatliche Hochschule für Gestaltung de Karlsruhe. En 1994/95, la beca en Schloss Solitude, de Stuttgart. En 1999, la cátedra en la Hochschule der Künste, Institut für Zeitmedien, Bremen. El artista vive en Lübeck y Nueva York.
BROTHERS QUAY
Biografía:
Los gemelos idénticos nacidos en Pennsylvania en 1947, Stephen y Timothy Quay estudiaron ilustración en Filadelfia antes de ir a la Royal College of Art de Londres, donde comenzó a hacer cortos de animación en 1970. Han vivido en Londres desde entonces, por lo que sus películas únicas e innovadoras en el marco de Koninck Studios. Influenciado por una tradición de la animación de Europa del Este, los muelles muestran una pasión por el detalle, un símbolo impresionante de color y textura, y un uso extraño de enfoque y movimiento de la cámara que hacen sus películas única y reconocible al instante. Mejor conocido por su clásica película de 1986 CALLE DE COCODRILOS , que el cineasta Terry Gilliam seleccionó recientemente como una de las diez mejores películas de animación de todos los tiempos , que son maestros de la miniaturización y en sus series pequeñas han creado un mundo inolvidable, sugerente de un paisaje de sueños largamente reprimidos infancia. En 1994, con el INSTITUTO Benjamenta , hicieron su primera incursión en el cine de acción en vivo de largo metraje. The Quays también han dirigido promos pop para Su Nombre está vivo, Michael Penn, Sparklehorse, 16 caballos de fuerza, y Peter Gabriel (contribuyendo a su célebre video “Sledgehammer”), y también se han dirigido innovador comerciales, entre otros, MTV, Nikon, cerveza y Slurpee de Murphy. El trabajo de los muelles “incluye también la escenografía para teatro y ópera. En 1998 sus escenografías Tony nominado para de Ionesco Los presidentes ganaron gran éxito en Broadway. En 2000 se hizo en su ausencia , una colaboración premiada con Karlheinz Stockhausen, así como dos películas de baile, DUET y THE SANDMAN. En 2002 aportaron una secuencia de un sueño de animación en Julie Taymor película FRIDA. En 2003 los muelles hicieron cuatro cortometrajes en colaboración con el compositor Steve Martland para un evento en vivo en la Tate Modern de Londres . Y en 2005 estrenó su segundo largometraje, el sintonizador PIANO DE TERREMOTOS , en el Festival de Cine de Locarno. En 2012 los Hermanos Quay fueron honrados con una carrera retrospectiva sala de exposiciones en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
PIERRE COULIBEUF
Biografía:
Nacido en Elbeuf (Francia) en 1949. Vive en París. Cineasta y artista visual. (Los estudios de doctorado en Literatura Moderna-tesis de Pierre Klossowski y Leopold von Sacher-Masoch). Pierre Coulibeuf utiliza la creación contemporánea como material para su obra cinematográfica y artística. En una relación interdisciplinaria de los géneros cinematográficos (ficción, experimental…), así como a los modos de presentación de la imagen en movimiento (proyección de 35 mm, instalación, video, fotografía), sus obras inventan un lugar y un lenguaje en el límite de las otras artes, criticando las formas establecidas y cuestionar las representaciones de la realidad. Desde 1987, ha realizado cortos y largometrajes basados en los universos de Pierre Klossowski, Michelangelo Pistoletto, Marina Abramovic, Michel Butor, Jean-Marc Bustamante, Jan Fabre, Meg Stuart. Sus películas han sido seleccionadas en festivales internacionales de cine (ficción, videoarte experimental). Pierre Coulibeuf hace instalaciones con sus películas y fotografías en galerías y museos. Ha sido artista invitado en el Pabellón Internacional de la Bienal de Arte Contemporáneo del Mercosur, Porto Alegre, Brasil, en 2005. Sus obras forman parte de las principales colecciones públicas. 1993 – Leonardo da Vinci subvención del Ministerio de Relaciones Exteriores de Francia para una residencia en Italia (Cine) 1995-96 – Artista en residencia en el Centro de Arte Contemporáneo de la Domaine de Kerguéhennec, Bretaña, Francia 2001 – Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres (Caballero de la Orden de las Artes y de Literatura)
JORDAN CRANDALL
Biografía:
Jordan Crandall es un artista multimedia, teórico y artista y profesor en el Departamento de Artes Visuales de la Universidad de California, San Diego. Él es el ganador 2011 del premio Vilém Flusser Teoría de la teoría y la práctica excepcional de arte digital basada en la investigación, a cargo de la Transmediale de Berlín, en colaboración con el Vilém Flusser Archivo de la Universidad de Artes de Berlín. Sus instalaciones de vídeo, presentado en numerosas exposiciones en todo el mundo, los formatos de la cosechadora y géneros que se derivan de la cultura cinematográfica y militares, la exploración de nuevos regímenes de poder y sus efectos en la subjetividad, la sociabilidad, realización, y el deseo. Su obra investiga los ámbitos de la intimidad extrema, donde las técnicas del control se combinan con técnicas de sí. Él escribe y da conferencias regularmente en diversas instituciones a través de los EE.UU. y Europa, y es el editor fundador de la nueva versión de la revista