Lecturas fotográficas

Beatrice (1866), de Julia Margaret Cameron, es uno de los trabajos representativos de la corriente del pictorialismo más purista y con el tiempo se convirtió en una de las fotografías con mayor significado de toda su carrera. Virginia Woolf fue hija de una de las modelos predilectas de Cameron, su sobrina Julia Jackson. El trabajo de la escritora y pensadora feminista, crítico con la sociedad patriarcal de la época, se puede asociar fácilmente con el de la fotógrafa más allá de los lazos familiares, puesto que, en multitud de ocasiones, las historias que Cameron conseguía transmitir eran las de heroínas y mujeres en sororidad, valiéndose de retratos que aunaban belleza y fortaleza moral.

Self-Portrait (as ‘New Woman’) es un autorretrato realizado a finales del siglo XIX por la fotoperiodista Frances Benjamin Johnston (1864-1952). Su trabajo aportó a la sociedad una nueva visión de la mujer, fuerte y autónoma, alejada de otras imágenes que aparecían en las publicaciones de la época, donde el sujeto femenino se asociaba a ideales clásicos de belleza y sumisión. Consiguió reflejar el principio del cambio de las féminas y de los roles de género.

Esta fotografía, titulada Migrant Mother, fue captada por Dorothea Lange en 1936 en Nipomo, California, durante la Gran Depresión. Ponía rostro al Dust Bowl Refugee. La protagonista se llamaba Florence Owens Thompson; su semblante se convirtió en un icono universal de la representación del sufrimiento y la pobreza.

Gerda Taro fue la única mujer que tomó fotografías en el frente durante la Guerra Civil española. Sus imágenes, difundidas por la prensa francesa de izquierdas, incluían elementos propios de la Nueva Visión. En Entrenamiento de una mujer republicana Taro establece una proximidad física y emocional con el sujeto, operando a dos niveles, lo que nos transmite el sujeto fotógrafo y el sujeto fotografiado, ambas mujeres. El sujeto fotografiado simboliza la mujer antifascista. A través de la miliciana, la fotógrafa quiso mostrar una visión alternativa del potencial femenino con el que se identifica y en el que se proyecta.

Dovima con Elefantes es una “suerte de imagen onírica”, de acuerdo con la definición del propio fotógrafo Richard Avedon. “Blanco y negro, juventud y vejez, libertad y cautiverio, ligereza y pesadez”… (Hacking, 2015: 347), son algunos de los contrarios que Avedon nos presenta en esta imagen. Autor de contrastes, el fotógrafo estadounidense actuó como consultor visual de la película Funny Face, de Stanley Donnen (1957), basada en su vida, en la que Audrey Hepburn interpreta a Dovima, icono de la moda de la época. La fotografía fue tomada en el Cirque d’Hiver de París en agosto de 1955 y procede del manual La fotografía del siglo XX del museo Ludwig. En ella se aprecian dos elefantes encadenados y a Dovima con un sofisticado vestido de noche, diseñado por Yves Saint Laurent para Christian Dior.

Donald McCullin (1935) ha dedicado su vida a cubrir los episodios de la historia reciente más oscuros. A través del objetivo de su cámara intenta, con una perspectiva humanitaria, iluminar los rostros de las víctimas marcadas trágicamente por la guerra y la miseria con el fin de construir una realidad ordenada dentro del caos generado; una realidad que se pueda extrapolar a la nuestra, la del primer mundo. Su fotografía A Turkish woman mourns her dead husband en 1964 le valió el prestigioso World Press Photo of the Year.

En esta serie de tres imágenes tomadas por Richard Avedon vemos transgresión, revolución, obscenidad, actitud de provocación por las poses intencionadas y la interpelación directa de la mirada a cámara; en resumen, una serie de rasgos que definieron la cultura subversiva del Pop Art. Rasgos que emergieron del epicentro conocido como The Factory o Silver Factory, un estudio alquilado por Andy Warhol no solo para poder crear sus obras, sino también para dar rienda suelta a esa contracultura fruto de la atmósfera que se respiraba en la década de los sesenta con fiestas undergrown, grabación de “antipelículas”, performances, venta de obras, etc. Todo esto, según se analiza en este ensayo, queda plasmado en los códigos de la fotografía.

En noviembre de 1990, la revista Life publicaba esta desgarradora imagen, en la que se muestra la estremecedora escena de la muerte inminente del joven de 32 años David Kirby, en estado agonizante como consecuencia del SIDA, rodeado por su familia. El sufrimiento que refleja su consumida fisonomía, que recuerda a la iconografía de Cristo yacente, y el sentimiento de compasión y misericordia que transmite la fotografía, contribuyeron a cambiar la percepción que la sociedad tenía de la enfermedad y de las personas que la padecían.

Una de tantas causas que ha fomentado la práctica de la anorexia y la bulimia es el prototipo de mujer delgada que desfila por las pasarelas de moda. Oliviero Toscani critica esta tendencia en la campaña “No-Anorexia”, lanzada en Italia en 2007 por la marca de ropa Nol-i-ta. Su fotografía, protagonizada por el cuerpo caquéctico de la modelo Isabelle Caro, que falleció poco después, abrió una brecha en el culto que la publicidad y medios de comunicación rinden a la belleza estereotipada y superficial del cuerpo femenino y provocó cambios en el mundo de la moda.

La fotografía a comentar originalmente se titula Mariattu Kanu, 4, in Makeni, Sierra Leone, lies on the floor of an Ebola Ward. Fue captada por Samuel Aranda el 27 de Septiembre de 2014 durante el brote del virus Ébola en Makeni, una ciudad situada en Sierra Leona. Ilustró la portada del New York Times del 2 de Octubre del 2014. La imagen tuvo una gran repercusión, ya que gracias a ella y al artículo que la acompañaba, se consiguió un mayor número de recursos para el Hospital de Makeni. Ambos, texto e imagen, pretendían mostrar la devastación del Ébola y la falta de ayuda internacional.